Escuchar un acto político - Leonel Vasquez. 

ABC TRIO

Toma 1

Improvisación

ABC TRIO

Alcaraz-Biffarella-Catalano y Aiziczon

Esta obra surge de valorar la improvisación como un modo de diálogo sonoro, que nos pone en una actitud de escucha activa, atento a lo diverso, a lo que el otro tiene para aportar.

Esta obra es parte de la edición en red a través del sello Viajero Inmóvil Experimental

https://viajeroinmovilexprimental.bandcamp.com/album/abc-tr-o-alcaraz-biffarella-catalano-aiziczon-4-improvisaciones-2019

ABC TRIO

Alcaraz-Biffarella-Catalano y Aiziczon

Gustavo Alcaraz: Instrumento de control gestual

Julio Catalano: Instrumento de control gestual

Gonzalo Biffarella: Guitarra eléctrica procesada

Gustavo Aiziczon: Contrabajo

Trío cordobés que se ha especializado en el diseño y programación de instrumentos interactivos de control gestual. Estos instrumentos son las herramientas básicas usadas en cada una de las obras compuestas. El grupo se ha dedicado a desarrollar proyectos centrados en la idea de Memorias, que investigan en la realidad social y política del entorno latinoamericano, generando bases de datos, a partir de las cuáles producir obras que interrelacionan materiales referenciales, testimonios directos y re-elaboraciones digitales. Estos materiales se plasman en obras sonoras o multimediales, de estructuras fijadas o improvisatorias.

Giovanni Lopez

Libro del concejo

El Popol Vuh, «Libro del Consejo» de los antiguos mayas quichés, describe la epopeya de los dioses y de los hombres antes de la creación del mundo tal como lo conocemos hoy, a través de alegorías. Aunque el relato se atribuye a los Quichés, el relato del Popol Vuh retoma principios comunes a todas las poblaciones mayas de Mesoamérica. Obra a la vez filosófica y mítica, nace de la tradición oral y fue copiada en el siglo XVIII por el padre Francisco Ximernez, entonces sacerdote en Guatemala. La pieza traza el primer capítulo, compuesto de cuatro partes, que van desde la nada pasando por el agua, el bosque, los animales, para finalmente llegar a la creación de los hombres.

Giovanni Lopez

Comienza su formación musical en trompeta y teoría musical en el conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, posteriormente obtiene el título de pedagogía musical en la Universidad Pedagógica Nacional. Después de hacer parte de varias agrupaciones, oficiar como docente y director de banda, decide radicarse en París (Francia) donde hace estudios de Jazz y etnomusicología. Finalmente obtiene diploma de composición electroacústica en el CRR de París bajo la dirección de Denis Dufour y Jonathan Prager.

Nestor Ciravolo

GERARDUS, EL GRAN DINI

GERARDUS, EL GRAN DINI es una obra de música acusmática homenaje a la memoria de Gerardo Gandini, destacado compositor argentino fallecido en 2013. El nombre de la misma se debe a un juego del tipo calambur y polisemia entre el nombre de una obra suya (Eusebius, en homenaje a R. Schumann) y su apellido. He trabajado con “Objets trouvé” manipulándolos: a) con diversas herramientas en la edición, b) con un conjunto de técnicas e implementaciones de software para el análisis, la transformación y la síntesis de objetos sonoros sobre la base de un modelo de síntesis por modelado espectral, aditiva, granular y sustractiva.

El trabajo de composición/recomposición/transformación/procesamiento sonoro, lo realicé sobre la base de una escucha reducida en términos schaefferianos , tratando a los objetos desde la cuestión morfológica en la que los mismos se disponen según su energía. Además considero lo audible por su comportamiento dinámico en el tiempo, en el espacio compuesto, y por su causalidad sonora como expresa Smalley en sus escritos. Existe convivencia entre los objetos concretos en estado natural, los procesados y los sintéticos. La versión original es octofónica, siendo para esta ocasión realizada una mezcla estéreo.

Nestor Ciravolo

Compositor argentino nacido en 1967. Director del Departamento de Música del Instituto del Consejo Superior de Educación Católica (CONSUDEC). Magíster en Didáctica de la Música, Licenciado en Música (UCAECE). Profesor Superior en Composición (CSMMF). Presidente de Ars Contemporanea. Miembro de la Asociación Argentina de Compositores y SADAIC. Realizó estudios con Marta Lambertini, Roberto García Morillo, Enrique Belloc. Compuso obras para diversas agrupaciones instrumentales: orquesta de cámara, sinfónica y digital (acusmáticas, mixtas e improvisaciones en tiempo real). Le han estrenado obras en distintas salas de Argentina como el Teatro Colón de Buenos Aires, Salón Dorado de la Casa de la Cultura de La Ciudad de Buenos Aires, Radio Nacional, Palacio Legislativo de Córdoba, Senado de La Plata entre las más relevantes y en el exterior en Chile, Brasil, Venezuela, México, Francia, España e Inglaterra. Ha participado en congresos, jornadas y seminarios de investigación sobre temáticas técnicas/tecnológicas/educativo-musicales y ha dictado talleres y especializaciones de posgrado. Como pedagogo, dentro de sus participaciones más significativas se pueden mencionar: la participación en el desarrollo de los diseños curriculares para la Educación Superior en Música de la Ciudad de Buenos Aires, las conferencias que ha dictado en la Academia Nacional de Educación y sus publicaciones sobre Didáctica de la Música.

Itzá Angélica García

Continuo

I created this piece from an improvisation on a Moog Voyager Synthesizer. The immersive sounds create a slow evolution where music appears to be static, yet small changes in the discourse reveal an energetic inner life. Continuo invites the listener to be a part of the sound event, to inhabit it.

Itzá García (born in México, 1993) graduated with honors from the Master’s degree in Composition of the Universidad Veracruzana, and holds a Bachelor’s degree in Composition from the Universidad Autonoma de Nuevo León.Her works have been played by ensembles such as the Orquesta Sinfonica de la UANL, the Orquesta de Camara de la Facultad de Musica UANL, and the Orquesta Universitaria de Musica Popular de la Universidad Veracruzana. Her passion for academic concert music impulsed her to make the archive of the Composition Department of UANL’s Music Faculty in 2016, cataloging over 1500 works composed from 1989 to 2016 and making the document collection available for inquiry. Since 2014 she has been host and co-producer of the radio show Universo Estetico, dedicated to the divulgation of contemporary music. She worked as coordinator of international affairs for the Orquesta Sinfonica de la UANL and since 2016 has presented “pre-concert talks” aimed to promote music appreciation. She has received academic distinctions such as the Centro de Compositores de Nuevo Leon Grant 2016-2017 and the CONACYT Scholarship for graduate studies in México 2018-2020. Itzá is a recipient of the prestigious Fulbright Garcia Robles Scholarship (2020-2022), and currently pursues a PhD in Music Composition at the City University of New York.

Emilio Tomás Adasme Campos

Attempt of Lucid Dreaming (2020)

Attempt of Lucid Dreaming (2020), es el resultado de una exploración de diferentes procedimientos de sueño lúcido. La música intenta recrear los momentos de lucidez dentro de la mente del soñador y las colisiones con la realidad en el momento del despertar. Los ritmos constantes son mecanismos que ayudan al soñador a mantener la realidad a la vista. Sonoramente, la pieza contrasta sonidos sintetizados con sonidos concretos para enfatizar en la diferenciación entre ambos mundos. Los contrastes son acompañados por glitches eclécticos que guían la exploración de la pieza. La mayor parte de los sonidos fueron procesados a través de la técnica del “Hard Sampling” y los ambientes sonoros fueron elaborados con síntesis FM en Max/Msp y Max4Live.

Licenciado en música con doble mención en composición y musicología de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Es miembro de la Comunidad Electroacústica de Chile y productor del Festival Internacional de música electroacústica Ai Maako. Actualmente trabaja para el archivo de la Orquesta de Cámara de Chile. Se dedica a la música electroacústica, docta instrumental, noise y forma parte de la Compañía de teatro compuesto “Oído Medio”. Ha participado en diferentes festivales y encuentros de música electrónica contemporánea en Chile, Argentina, España, Reino Unido, Estados Unidos, Taiwán, Bélgica y Austria.

Renzo Filinich

Puntos convergentes (2020)

Obra cuadrafónica, dedicada al pensamiento del filósofo Bernard Stiegler. Hacia un camino Organológico entre la técnica, la tecnología y el cuerpo social. https://renzofilinich.bandcamp.com/track/puntos-convergentes-2020

Mi interés surge en la investigación y producción con nuevas tecnologías en el arte, con el objetivo de desarrollar nuevos campos interactivos y cognitivos del espectador, así como la representación espacial del sonido y la imagen por medio del uso de interfaces gestuales de control y performance. En mi trabajo abordo distintos aspectos del lenguaje en el arte contemporáneo, como la instalación, la performance y la improvisación. Fui miembro y coordinador de la Comunidad Electroacústica de Chile CECh 2010 – 2018. A su ves, he mostrado mis obras e investigaciones en diversos Festivales y coloquios en: Austria, Portugal, Colombia, Argentina, México, España, Inglaterra, Francia, Perú y Chile. Actualmente trabajo como docente e investigador de nuevos medios para Latinoamérica.

Aldana Bit

Entrañas

El estómago y sus entrañas, digieren los cambios de este nuevo universo y no siempre sientan bien. ¿Cómo vibran mis entrañas en soledad? ¿Qué universo sucede en mí, ahí?

Aldana Olivello/Aldana Bit (1993) Chaco, Argentina. Artista multimedia, gestora independiente y música en Aldonbits y Noiset. Fundadora y Coordinadora en Mujer Bitx, Sólido Plataforma, Ruido Hábitat.

Sebastián Orejarena Rojas

La nuit dial

La obra de corte acusmático (estéreo), con una duración de 11 minutos, pretende generar discurso musical a partir de material radiofónico recopilado. Conceptos como ruido, silencio y saturación, aportan al desarrollo compositivo que se le aplica a los materiales seleccionados, logrando generar diversos tipos de texturas y ambientes sonoros que, durante el proceso de creación, se superponen o se comportan linealmente. Para la grabación del material radial se aplicaron diversas estrategias que surgieron a través de la experimentación sonora y estudios de obras como “Radio Music” del compositor J. Cage. El movimiento del “dial” a diversas velocidades y tiempos específicos, regularmente en la noche, el uso de diversas fuentes sonoras (análogas o digitales) y estrategias para su captura influyen indudablemente en su resultado sonoro.

Músico compositor de Medellín egresado de la Universidad de Antioquia. Se desempeña como intérprete y compositor en el ensamble [expr] Prácticas sonoras contemporáneas. Merecedor de la mención especial en el Festival Ecuatoriano de Música Contemporánea y de la décima versión de becas de creación en arte y cultura CDCM 2018. Las obras de su portafolio han sido interpretadas en diversos escenarios tanto nacionales como internacionales, como el Auditorio Fundadores (EAFIT), Teatro Camilo Torres (UdeA), Sala Beethoven (FUBA) MAMM (Medellín), Teatro Variedades (Quito) y Libélula Dorada (Bogotá).

Emma Margetson

Cimbaal

Programme Note: This work is primarily derived from close microphone recordings of a suspended cymbal. The resonating qualities of the work build and fade taking the listener on a journey to explore different spaces, pitches and timbres of the cymbal, whilst contrasts in motion and gestural activity – strikes, swooshes, gongs – explore the physicality of the instrument.

Emma Margetson is an award-winning acousmatic composer and sound artist based in the Midlands, UK. Her works have been performed nationally and internationally, and in 2019 was featured on the British Music Collection’s #AComposerADay series, which showcased the profiles of 31 female composers and their unique contributions to composition in the UK. Emma has collaborated with a variety of organisations including the Ikon, Research & Cultural Collections at the University of Birmingham, The Barber Institute of Fine Arts and Sampad. Emma is currently in the final phase of studies for a PhD in Musical Composition from the University of Birmingham funded by the AHRC Midlands3Cities Doctoral Training Partnership under the supervision of Annie Mahtani and Scott Wilson. She is currently a member of BEER (Birmingham Electroacoustic Ensemble for Research) and her work has been published with Urban Arts Berlin, Sonos Localia and obs акусма AUDIOR 068. In December 2019 Emma was awarded first prize in the L’Espace du Son international spatialisation competition.

Mario MARY

Le petit Francis (El pequeño Francis)

Le petit Francis (El pequeño Francis) Obra electroacústica – 2016 – 10’02″,  realizada en el estudio del compositor dedicada a Francis Dhomont en sus 90 años. Una vez tuve la oportunidad de interrogar a Francis Dhomont acerca de sus recuerdos de la época de la Segunda Guerra Mundial. Él era, como tantos otros, un joven muchachito lleno de vida, inmerso en una situación sin sentido… Durante su relato, no pude evitar imaginarme ese niño, que por su fuerza vital conservaba su alegría de vivir e ilusiones. Esta obra no pretende describir esta historia, es solo un simple homenaje a esa energía pura e inocente que Francis ha conservado durante toda su vida.

Mario MARY comenzó sus estudios musicales en Argentina, obteniendo los diplomas de Profesor y de Licenciado en Composición en la Universidad Nacional de La Plata. Paralelamente estudió dirección orquestal y música electroacústica. En 1992 se instala en París, donde continuó su formación en el GRM, Conservatorio de París, IRCAM y Universidad Paris 8. Trabajó como compositor-investigador en el IRCAM: AudioSculpt Cross-Synthesis Handbook (manuel de síntesis cruzada) et Des traitements en AudioSculpt contrôlés par Open Music (interfaces gráficas de control). Docente, innvestigador y compositor, Mario MARY ganó más de veinte premios de composición instrumental, electroacústica y mixta en Francia, Italia, Bélgica, Finlandia, Portugal, República Checa, Brasil y Argentina. Brindó una centena de conferencias y cursos en diferentes países de Europa y de América latina. Sus preocupaciones estéticas están orientadas hacia la búsqueda de una música que genere signos emergentes de las tendencias estéticas del nuevo siglo. Desde los años 90 desarrolla las técnicas de Orquestación electroacústica y Polifonía del espacio. Sus obras son tocadas en las más importantes manifestaciones internacionales de música contemporánea.

Juan Carlos Vasquez

Mono No Aware

“Mono No Aware” es un concepto japonés que se refiere al entendimiento nostálgico de la naturaleza efímera de los eventos. En esta pieza acusmática, un pasajero en un tren en Japón realiza un viaje mental hacia fragmentos de memorias pasadas, que inevitablemente se combinan y superponen unos con las otros. En cuanto a su composición, “Mono No Aware” pone en práctica una técnica que el compositor ha denominado “klangfarbensampling”, u orquestación tímbrica de una melodía compuesta de grabaciones fragmentadas superpuestas en capas texturales de sonido. La melodía distribuida es en sí un sumario de la pieza, mostrando una aproximación temporal de carácter no-lineal. Las grabaciones usadas en esa pieza fueron capturadas en Japón por el compositor en las ciudades de Tokio, Osaka y Kyoto durante Noviembre 2019.

Juan Carlos Vasquez es un compositor, artista sonoro e investigador colombiano. Sus producciones electroacústicas son interpretadas frecuentemente alrededor del mundo, y han sido estrenadas en 29 países de las Américas, Europa, Asia y Oceanía. Vasquez ha recibido becas y comisiones de numerosas instituciones, incluyendo el ZKM, la Asociación Internacional de Música por Computador, el Centro de Investigación de Nokia, el Ministerio de Cultura de Colombia, el Centro de Promoción de Artes en Finlandia, la Galería Nacional Finlandesa y el Royal College of Music en Londres, Reino Unido. Como investigador, sus artículos pueden ser encontrados en el Computer Music Journal y el Leonardo Music Journal (ambas publicaciones de MIT Press), así como en todas las conferencias estándar de tecnología musical. Vasquez estudió en la Sibelius Academy (Finlandia), Aalto University (Finlandia), la Universidad de Virginia (Estados Unidos) y la Pontificia Universidad Javeriana (Colombia). Su música es distribuida por Naxos, MIT Press, Important Records y Phasma Music.

Damian O’Riain

Aeromanteia

This is the third movement of a larger work fabricated entirely from a single 0.4 second recording of a ceramic chime clink. The sound was taken (with permission) from a batch of source materials used in Denis Smalley Wind Chimes (1987). Taking inspiration from Trevor Wishart’s Imago (2004) the work follows a similar regime: wherein all materials originate with the initial clink. I guess this piece is simply an homage to Smalley’s influential work.

PhD studies at SARC (Queen’s University Belfast). MPhil, music and media technologies, TCD (University of Dublin). Creative practice relates primarily to acousmatic arts, digital music, spatial-audio, and post-digital aesthetics. Interested also in new media, digital-cultures and technologically driven creative practices that embrace interdisciplinary collaboration. Residencies including Center for Experimental Music and Intermedia (University of North Texas), EMS (Stockholm), VICC (Visby), and CMMAS (Morelia), associate artist in residence to both Denis Smalley and Jonty Harrison at ACA (Florida). Works have been presented internationally at notable conferences and festivals.

Antonio D’Amato

Un certain vertige

This piece was originally composed expressly for the directional rotating speaker developed by Peter Färber at Zürcher Hochschule der Künste and a quadraphonic setup. Un certain vertige is a piece and a composition study based on the idea of blurring boundaries between two related but contrasting sound materials, that are progressively processed in order to merge in a unique fluxus. A large amount of processes that corrode and degrade the sound are implemented in order to create subtle organic textures with dense harmonics. The dialogue takes advantage of the experimental loudspeaker and the timbral transformation due to the hall reflections. The spatialization technique tries to merge the rotating loudspeaker and the quadraphonic setup in a seamless panorama where they respond each another. This stereo version of the piece is based on a binaural recording of the piece, integrated with a spatilization algorithm.

He graduated at Conservatory in Piano, Harpsichord, Music for Multimedia, Music Pedagogy, Electronic Music and Sound Engineering. He also studied Composition for eight years, Bassoon for three years, Baroque Organ, Ondes Martenot in Strasbourg and Paris, Sonology at ESMUC in Barcelona and later Electronic Music at ZHdK in Zürich. Some of his instrumental works are published by Forton Music, U.K. In summer 2015 he was trainee at ExperimentalStudio des SWR in Freiburg, and in 2016 at ZKM in Karlsruhe. His works have been performed in Australia, Austria, Belgium, Brazil, Canada, Colombia, Czech Republic, France, Germany, Greece, Ireland, Italy, Japan, Mexico, Portugal, Slovenia, South Korea, Sweden, Taiwan, UK and USA.

Laura Morán

Cosmopolita

Cosmopolita es el resultado de un trabajo de escucha y captación sonora de diferentes espacios, entendido como un proceso de percepción estética. Dicho trabajo quiere representar las diferentes culturas a través de la captación de conversaciones en diferentes idiomas, la palabra es una representación estética que simboliza los lugares o países de origen de las personas, no se pretende poner el acento en el contenido semántico sino en el idioma como símbolo de espacios cosmopolitas. La idea gira en torno a las ciudades, las personas, los recintos (con sus acústicas particulares y con sus resonancias) la naturaleza, la cultura y los recorridos.

María Laura Morán es Licenciada en Audiovisión y Técnica en Sonido y Grabación, egresada de la Universidad Nacional de Lanús. Se desarrolla como Productora y Realizadora Audiovisual: es Project Leader del medio digital “Switcher” del MediaLab de la Universidad Católica Argentina (UCA). Es Realizadora Audiovisual de la plataforma de Cultura Digital +CODE. Además es Realizadora Audiovisual y Productora de Contenidos, dentro del programa de TV “TyM” que se emite por América Sports. Se desempeñó como Productora Audiovisual de la publicidad «valores de familia» de la UCA. Como Técnica en Sonido, es operadora de sonido en vivo para bandas, operadora de la Radio digital “Radiofónicos en Vivo” y se desempeñó como sonidista en las charlas TEDxUCA (2015). Como artista realizó una colaboración para artistas de España y Estonia, realizando una pieza audiovisual para la obra de arte electrónico “WIFIPEDIA”, presentada en el Centro Cultural Rojas (2019) en la exhibición “Asuntos de Nuestro Espacio”. Su obra sonora “Transformación” fue seleccionada para el Festival Xtal (2019). Es cantante y bajista. Realizó dos cursos de posgrado en: Industrias Culturales para la Convergencia Digital (UNTREF 2018) y Gestión de Arte y Cultura (UNC 2018). Actualmente se encuentra concluyendo la Especialización en Arte Sonoro (UNTREF 2019-2020).

La música electroacústica y la instalación sonora. Convergencias y divergencias. Manuel Rocha Iturbide 

Sonando fuera del tiesto: Quién suena, cómo suena, para qué suena - Daniel Prieto

Mario Opazo

Secreto 1

Colectivo SIAS

Cosmopolita

Cosmopolita es el resultado de un trabajo de escucha y captación sonora de diferentes espacios, entendido como un proceso de percepción estética. Dicho trabajo quiere representar las diferentes culturas a través de la captación de conversaciones en diferentes idiomas, la palabra es una representación estética que simboliza los lugares o países de origen de las personas, no se pretende poner el acento en el contenido semántico sino en el idioma como símbolo de espacios cosmopolitas. La idea gira en torno a las ciudades, las personas, los recintos (con sus acústicas particulares y con sus resonancias) la naturaleza, la cultura y los recorridos.

María Laura Morán es Licenciada en Audiovisión y Técnica en Sonido y Grabación, egresada de la Universidad Nacional de Lanús. Se desarrolla como Productora y Realizadora Audiovisual: es Project Leader del medio digital “Switcher” del MediaLab de la Universidad Católica Argentina (UCA). Es Realizadora Audiovisual de la plataforma de Cultura Digital +CODE. Además es Realizadora Audiovisual y Productora de Contenidos, dentro del programa de TV “TyM” que se emite por América Sports. Se desempeñó como Productora Audiovisual de la publicidad «valores de familia» de la UCA. Como Técnica en Sonido, es operadora de sonido en vivo para bandas, operadora de la Radio digital “Radiofónicos en Vivo” y se desempeñó como sonidista en las charlas TEDxUCA (2015). Como artista realizó una colaboración para artistas de España y Estonia, realizando una pieza audiovisual para la obra de arte electrónico “WIFIPEDIA”, presentada en el Centro Cultural Rojas (2019) en la exhibición “Asuntos de Nuestro Espacio”. Su obra sonora “Transformación” fue seleccionada para el Festival Xtal (2019). Es cantante y bajista. Realizó dos cursos de posgrado en: Industrias Culturales para la Convergencia Digital (UNTREF 2018) y Gestión de Arte y Cultura (UNC 2018). Actualmente se encuentra concluyendo la Especialización en Arte Sonoro (UNTREF 2019-2020).

Pablo Bachmann

Chatarrarías es una obra dedicada a Omar Farías. Es una obra audiovisual dónde se trabaja la imagen del lugar al que fuimos a grabar, explorar, improvisar e imágenes de la presentación de la obra para batería y soporte electroacústico en el Ecunhi en el Festival Nuevas Músicas por la Memoria en el 2014.

Pablo Bachmann es Licenciado en Composición con Medios Electroacùsticos de la Universidad Nacional de Quilmes. Diplomado en la Especialización en Video y Nuevas Tecnologías, dictado por el Media Centre d’Art i Disseny de ESDi de Barcelona – España. Curso obtenido mediante una beca otorgada por la UNESCO. Es autor de obras de cámara, electroacústicas puras y mixtas, video música, como así también de obras de arte sonoro. Ha participado como colaborador durante 2007 y 2010 con Buenos Aires Sonora realizando intervenciones sonoras a gran escala en espacios públicos urbanos. Colaboró en numerosos cortos y largometrajes audiovisuales, realizando composiciones originales o realizando actividades como editor, diseñador sonoro y sonidista. Actualmente conforma el ensamble Qu4tro Spatiumn y se desempeña como docente de Medios Electroacústicos del Conservatorio Gilardo Gilardi de La Plata del cual también es Encargado de Medios de Apoyo Técnicos y Pedagógicos y Productor Ejecutivo.

Ensamble Nativo Experimental

Esta es una propuesta de carácter colectiva, tanto en su creación como su desarrollo y puesta final.
Compuesta en distintos espacios durante la cuarentena por pandemia COVID-19, tomando el espíritu del texto de Xavier de Maistre, compartimos en una obra nuestros distintos viajes alrededor del cuarto.
El trabajo sonoro se desarrolla a modo de improvisación grupal sobre un soporte electroacústico compuesto para la obra, cada músico improvisa y compone su parte musical-sonora.
Los visuales se realizan a partir de un trabajo colectivo de creación y termina siendo producido y elaborado por Pablo Magne

Ensamble Nativo Experimental
Compuesto por músicos y artistas visuales se conforma con el objetivo de crear, experimentar y
producir obras sonoras y visuales propias, que abrevan en nuestra cultura americana profunda y
lograr a partir de ello una complementariedad y convivencia con las nuevas tecnologías que
permitan la puesta en escena de novedosas producciones sonoras y audiovisuales.
A partir del trabajo de Lucas Eduardo Avila “Charango y electroacústica” (Premio Beca a la
creación Fondo Nacional De las Artes 2019) que se extiende a “ charango y electroacústica +
ensamble “ nace y cobra vida propia el Ensamble Nativo Experimental formado por :
Germán Meira en guitarra eléctrica, Martín Brandan en percusión, Pablo Magne en audiovisuales y
Fabiana Martínez en aerofonos precolombinos y arte y Lucas Eduardo Avila en charango y
electroacústica.
Siendo otra de la características la composición colectiva y creación de cada músico de lo que
interpreta y la creación de visuales por Pablo Magne y el aporte visual de la artista Fabiana
Martínez es de notar el trabajo de improvisación que es un elemento importante en la propuesta del
Ensamble.

Giovanni Zapata

FALTALIMINAL explora el silencio que hay entre el mundo externo y nuestro ritmo interno: el presente se nos escurre entre el espacio exterior y nuestro espacio interior tomando el ritmo sinusoidal como semilla creadora. Este ritmo continuo y perpetuo se asemeja a las pulsaciones del corazón, órgano vital, metáfora de vida. El proyecto fluye entre dos fuerzas pregnantes: inhalar-exhalar, sístole-diástole, tensión-distensión.

Diana Medina Prieto

UNbot (Espacios sonoros) es un espacio que cree y dirijo desde el 2018. Durante la pandemia invite a 7 músicos para colaborar en un laboratorio audiovisual. Un juego de Tarot determinó el orden de cada grupo y su conformación y a partir de ahí trabajamos en un cadaver exquisito musical que seria acompañado por un collage de video con las grabaciones visuales de cada participante. El resultado son 7 proyectos que conforman el laboratorio de los cuales 3 son presentados a esta convocatoria.

Ana Maria Ruiz, Angela Marciales, Andres Vila, Daniel Piedrahita, Diana Medina, Pedro Ramirez y Violeta Garcia son los músicos invitados a colaborar en este laboratorio audiovisual que tuvo como partida un juego de tarot para determinar el orden y la composición de cada grupo de experimentación. Adoptamos un proceso de cadáver exquisito para el desarrollo del laboratorio. El nombre que le hemos otorgado al proyecto es KINDER S.A.S.

Ezequiel Jaime

El misterio de la imagen es una obra audiovisual de 11 minutos de duración basada en el texto homónimo de la poeta argentina Fernanda Laguna.
El origen de la pieza se deriva de una serie más amplia de trabajos donde abordo el texto proyectado y su relación con el sonido. En esta pieza busqué remarcar el fenómeno de “simultaneidad de significados” que se origina cuando un texto es proyectado y que, por lo tanto, asistimos no solo al sentido del texto literal sino también a la intensidad de su imagen. Al producirse este “desdoblamiento” pretendí que el texto adquiera una condición mas cercana al objeto y por ende se vuelva plástico, así como la luz de su proyección.
La obra fue compuesta para saxo tenor, medios electrónicos y video entre mayo y julio de 2020 en el contexto de aislamiento por la pandemia de covid-19.

Ezequiel Jaime es un compositor/improvisador, bajista, productor y docente. Su trabajo con el sonido se desarrolla en una zona intermedia entre la improvisación libre y la música escrita. El fenómeno sonoro, en su continua expresividad y alucinación, es su principal interés compostivo.

Actualmente como bajista su trabajo se orienta en desarrollar distintas técnicas expandidas que le permitan recuperar la relación intuitiva con su intrumento.

Ha integrado diversos proyectos tales como mU, _rrr, Capo choclo, Totosko, Pure viejo y Los tenistas con los cuales ha grabado y producido intervenciones y conciertos.

Estudió en el ITMC con Eugenio Pollo Raffo, Beto Caletti, Marcelo Torres entre muchos otros. Estudió la licenciatura en composición en la Escuela Superior de Música y en la Escuela Nacional de Música asistió al Laboratorio de creación musical de Julio Estrada. Tomó clases con Zbigniew Karkowski, Sergio Luque, Juan trigos, Juan José Castillo y Joëlle Léandre.

Ha sido investigador en el taller de audio del Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes (ciudad de México) entre 2003 y 2009 articulando el programa de formación en SuperCollider3, asesorando proyectos artísticos y produciendo acciones interdicsiplinarias con videoastas y coreógrafos. Su trabajo de investigación «Aplicaciones de tecnologías de codigo abierto en el arte electronico» lo llevo a recibir la beca PADID.

Ha realizado intervenciones, eventos y conciertos en diferentes contextos incluyendo museos, galerí as y salas de concierto en México, Estados Unidos, Noruega, Francia, Argentina, Colombia, Estrasburgo, Venezuela e Irlanda y en Festivales como Radar, Piksel, Make Arts, DATA, Transitio_MX, r4wb1t5, HARDCODE, Summer Stage, Festival Cervantino, Festival de la ciudad de México, Summer Stage, Lamcs (Latin American Music Conference), DIY studio-Centro Cultural España Rosario, El señor de los archivos- Centro Cultural España, Install Fest,Festi Mugre, Arsmondo Argentina 019, Atemporánea 019 entre muchos otros.

Fue bajista durante doce años (1997-2009) de la cantante mexicana Ely Guerra con la cual realizó conciertos en todo el continente americano, grabó 4 discos y obtuvo el Grammy Latino en 2010 por su participación en la producción y grabación del disco «Hombre Invisible».
En 2008 produce el video documental FLOSSOFiA registrando los festivales Piksel (Bergen,Noruega) y Make arts (Poiters, Francia) el cual aborda las practicas creativas con software libre.
Es co-fundador del sello independiente SelloCabello.
Actualmente forma parte del trío Los comidos

João Pedro Oliveira

Things I Have Seen in My Dreams
Soñamos … a veces tenemos pesadillas o sueños que nos hacen sentir tristes, angustiados o simplemente indiferentes. Pero en ocasiones, hay sueños que proyectan en nuestra mente imágenes y sonidos de gran belleza. Esta pieza es un recuerdo y variaciones de algunas de estas imágenes y sonidos que recuerdo de mis sueños. Está dedicado a Mario Mary.

Composer João Pedro Oliveira holds the Corwin Endowed Chair in Composition for the University of California at Santa Barbara. He studied organ performance, composition and architecture in Lisbon. He completed a PhD in Music at the University of New York at Stony Brook. His music includes opera, orchestral compositions, chamber music, electroacoustic music and experimental video. He has received over 50 international prizes and awards for his works, including three Prizes at Bourges Electroacoustic Music Competition, the prestigious Magisterium Prize and Giga-Hertz Special Award, 1st Prize in Metamorphoses competition, 1st Prize in Yamaha-Visiones Sonoras Competition, 1st Prize in Musica Nova competition. He taught at Aveiro University (Portugal) and Federal University of Minas Gerais (Brazil). His publications include several articles in journals and a book on 20th century music theory.
http://www.jpoliveira.com

Shakira Benavides / Pablo Magne

Pieza resumida, perteneciente al nuevo álbum de Lucius Works Here, aún sin publicar. Continuando con la inspiración en el siglo XIX del anterior disco, en éste, nos sumergimos en una estética sonora, a base de dark ambient, musique concrete, dub, electrónica experimental, y visual con experimentación analógica y glitches en blanco y negro; en un supuesto espíritu romántico de la época.

Pieza resumida, perteneciente al nuevo álbum de Lucius Works Here, aún sin publicar. Continuando con la inspiración en el siglo XIX del anterior disco, en éste, nos sumergimos en una estética sonora, a base de dark ambient, musique concrete, dub, electrónica experimental, y visual con experimentación analógica y glitches en blanco y negro; en un supuesto espíritu romántico de la época.

Shak Benavides. Compositora, no-músico, artista sonora, y dj. Ha participado en varios festivales como Sonar de Barcelona y Atenas, Primavera Sound, LEM y Teorema.
Dirige, coordina y produce TeslaFM, radio online de su propiedad desde 2018, enfocada principalmente en música experimental.
Ha publicado varios álbumes y EPs, y aparecido en varios compilatorios nacionales e internacionales.
Hizo la banda sonora y el diseño de sonido de la obra de teatro “Medea, La Stravaganza” de Carlos Concha, y bandas sonoras alternativas como compositora y como dj para los eventos de LiveSoundtracks y Visual Phonic respectivamente.

Pablo Magne. Director de cine, fotógrafo, diseñador gráfico y productor de medios audiovisuales.
Dos veces ganador del Excellence Award, JVC Tokio Video Festival con “La Rosa” y “Facta”.
Diseñador de portadas de Albums en Groove Unlimited Label y director de arte y diseño en el E-dition Magazine (Paises Bajos). Publicó varios de sus diseños en los sellos discográficos norteamericanos Lotuspike, Spotted Peccary y Plus Timbre.
Productor musical y diseñador sonoro, participó del álbum “Moth in Flames” del compositor norteamericano Paul Ellis y produjo varias bandas sonoras de videos experimentales y cortometrajes.
Realizador visual en el musical escénico “Amusia” del compositor Jorge Sad Levi.

Santiago Greco

Curioso. Le gusta construir puentes entre disciplinas, estilos y culturas. La puerta a esta experiencia fue el sonido: ruidos, ritmo, naturaleza. La mixtura entre una formación esencialmente musical y una sólida preparación teórica y técnica en hardware y software especializados amplían su campo de experiencia como compositor, autor y músico y simultáneamente como productor general y editor en las áreas de postproducción de sonido, video y musicalización.
Como artista ha trabajado en entornos humanos y técnicos muy diversos, tanto en Los Angeles como en Buenos Aires donde nació, reside y conduce su estudio.
En 2019, hizo la música original y producción integral para Argentina Tiene Magia (TV Pública). Dirección musical y producción integral de los discos Canciones Entrañables de Zully Goldfarb https://open.spotify.com/album/5iwDiBHvgVv9q5Ou49IZid?si=KJkNFYe5TxitJrKDG3K0nQ y Adentro de Víctor Kesselman. https://open.spotify.com/album/5fL9kMLnD1jX7w5L0TfTzg?si=9Rlx1EhEQ1u1JT5XS9sz7w
Postproducción de sonido de Los periféricos (Centro Cultural de la Cooperación) http://guia.lanacion.com.ar/cine/pelicula/los-perifericos-pe9157
Tiene tres discos propios: Identidad sur (2017); Nosotras (Banda original de largometraje documental de Daniele Cini RAI-INCAA 2009); Palabras Ocupadas (Con TriGo, 2005); No tan lejos (1998).
Compone y produce música original para documentales, publicidad y video arte.
Integra la Orquesta de Música Popular de la UBA desde 2015. Guitarras y producción musical.
Desde 1995 practica Tai Chi.

ADAN SONORA recupera un elemento del patrimonio cultural de la ciudad de Buenos Aires como es la revista erótica Adán de la Editorial Abril de Argentina que estuvo vinculada a la escena porteña de los años sesenta liderada por el Instituto Di Tella. La obra le da sonido a un artefacto cultural netamente visual, una suerte de banda de sonido de la revista.
Adán se publicó entre julio de 1966 y marzo de 1968 y tuvo una trayectoria fugaz entre otras cosas porque se propuso objetivos demasiado audaces para el contexto social y político de su época (una dictadura). Cada uno de los 21 números de Adán contienen una página de reseñas de discos. ADAN SONORA toma estos materiales y los conjuga con otros elementos: composiciones de temas originales inspirados en dos discos reseñados en Adán (African Tribal Music and Dances: Tribal Music on Location. Artista: The Malinke y Africa. Artista: Sonar Senghor), ejecutados sobre la reproducción de tres temas de esos dos discos (1. Festival of de Circumsicion: 2. Ibonga; 3. Miva), con visuales compuestas a partir de imágenes de la revista y de la reproducción de la película documental de la Expedición a Africa de Armand Denis y Leila Roosvelt en 1935 (durante la cual fueron tomadas las grabaciones tribales del disco African Tribal Music and Dances: Tribal Music on Location. Artist: The Malinke).
La obra repone un consumo cultural de esos años reactualizándolo desde una perspectiva inclusiva y decolonizante. Asume criterios estéticos y visiones del mundo del presente, especialmente en relación al erotismo y las relaciones de género, poniendo en juego una sensibilidad que cuestiona la metáfora predilecta de la ideología patriarcal, colonialista y racista que sustenta el erotismo de Adán: el cazador sobre la presa.
Santiago Greco composición y realización musical (edición y mezcla), guitarra, Santiago Martínez en violín, piano y teclados y Martín Lozano en bajo y contrabajo, Verónica Giordano en visuales. Nombre del archivo Greco Adan Sonora.mov

Edna Yamile Novoa Peña

La grabación tiene por objeto hacer un registro del atardecer en la zona del Palmar, perteneciente al municipio de la Mesa, en Cundinamarca, lugar emblemático por ser una referencia clave en lo que fue la Expedición Botánica. Por medio del proceso de registro se evidencia una relación entre el tiempo y el sonido propios del lugar. Es interesante apreciar como ciertos sonidos son particulares para diversas condiciones de tiempo, y que sirven de referencia para determinar por ejemplo si ha llovido, si hay sequía, si va a llover, o si vendrá la lluvia etc.

Paolo Pastorino

The place is different from the space: the first is made of relationships and interactions while the second is a container. We can weave a relationship with space – triggering an action / response mechanism – and transform it into a place full of stimuli generated by physical and abstract actions such as thought. The intangible response that a place generates in the person is like a channel through which it crosses the individual.
The place, therefore, can be inhabited and can inhabit humans.
This work has been made during the lockdown with images of deserted cities like Rome, Paris and London.

Paolo Pastorino (Sassari – Italy – 1983) is an acousmatic composer and music technologies professor in high school.
He graduated in electronic music and sound technologies at the Conservatory of Sassari and he is specialized in the same course at the Conservatory of Cagliari, both cum laude.
He has participated in several master classes held by artists such as Jean Claude Risset, Curtis Road, Bernard Fort, John Chowning, Yann Robin, Eckart Altenmüller, Michelangelo Lupone and Tolga Tüzün. He also attended an artistic training internship at the Rome Music Research Center under the guidance of Michelangelo Lupone.
His compositions have been presented in several contemporary and electroacoustic music festivals in different countries of the world.
Currently His field of musical and expressive research regards in particular concrete music and sound art, he also deals with programming for the creation of executive environments for live electronics. He currently collaborates with the «Minim Ensamble», a group of musicians and composers who deals with investigating some aspects of musical minimalism.

Experimentar: Proceso de investigación creación - Gonzalo Biffarella 

MÚSICA ELECTROACÚSTICA Y COMPOSITORES PERUANOS- Luis Alvarado

Este podcast presenta una panorama de lo que ha sido la composición electroacústica realizada por compositores peruanos desde la década del 60 hasta la actualidad. 

Presentación y selección por Luis Alvarado

01.-CESAR BOLAÑOS - Intensidad y Altura (1964)

02.-EDGAR VALCÁRCEL - Invención (1967)

03.-ARTURO RUIZ DEL POZO - Lago de Totoras (1977) 

04.-GILLES MERCIER - Mutaciones 1 (1996)

05.-JOSÉ SOSAYA - Evocaciones (1994)

06.-RAJMIL FISHMAN - Sin Los Cuatro (1994)

07.-FEDERICO TARAZONA - Metarangosofía N°1 (1995)

08.-RENZO FILINICH - Tusuq (2016)

09.-JAIME OLIVER - 2001: A Third World Odyssey (2017)

10.-MARIA ALEJANDRA CASTRO - Requiem for A Man Dying (2006)

11.-JUAN GONZALO ARROYO - Susurro for soprano and live electronics (2013)

12.-GIANI BENCICH - Eine dritte Seele (2018)

13.-MACRI CÁCERES - Samay (2020)

14.-MICHAEL MAGAN - Escenas Nocturnas (2019) 

Balam Ronan

Elegí esta grabación porque me parece que representa bastante bien los sonidos, el ambiente, que se vive en un mercado en México, escuchamos platicas, música, el sonido que se hace al preparar la comida, merolicos y demás sonidos.

Su trabajo se ha enfocado en el estudio de la escucha y el paisaje sonoro, en la realización de grabaciones de campo, y en prácticas de arte sonoro en espacios públicos: acciones e instalaciones sonoras, y prácticas participativas y relacionales. También ha realizado proyectos de composición acústica, electroacústica y con medios electrónicos, y colaborado en proyectos de artes visuales, danza contemporánea y teatro.
Tiene una licenciatura en Música con línea terminal en Composición de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Querétaro. Ha presentado sus obras en Querétaro, Ciudad de México, Guadalajara, Puebla (MX), Buenos Aires, Cordoba (AR), Washington DC (US), Atenas (GR), Lisboa (PT), Berlín (DE), Quito (EC), Bogotá (CO), Belo Horizonte (BR), Helsinki (FI), Ginebra (CH) y Florencia (IT). Ha publicado su trabajo fonográfico en las netlabels Green Field Recordings, Echomusic, Sonic Terrain, La Escucha Atenta, Auriculab y Suplex. Ha sido becario del CMMAS, del IQCA, del FONCA y FONCA-CONACYT.

Natalia Cappa – Lucas Werenkraut

TH3 es una obra en 3 secciones sobre textos poéticos de la escritora argentina Susana Thenon. La composición está basada en la palabra y su encarnación sonora en diálogo con los sonidos específicos del TRoneitor (set de sintetizadores analógicos construido con desechos electrónicos).
Esta obra investiga la relación de la forma canción tradicional (canto-piano) en su sedimento expresivo y formal con las posibilidades sonoras y tímbricas del TRoneitor, la voz como sonido-palabra y los procesos

Inspirados en las peculiaridades sonoras del TRoneitor, construido por Lucas Werenkraut a partir de scrap electrónico, y en conjunción con la investigación vocal que la cantante Natalia Cappa viene desarrollando desde hace años, surge el Dúo TRoneitor en Buenos Aires, Argentina, en enero de 2018.El trabajo musical y sonoro del Dúo TRoneitor se basa en la improvisación, el uso de múltiples recursos vocales, textos, canciones preexistentes, imágenes, y en la naturaleza intrínseca del sonido generado por el instrumento.

El TRoneitor, la creación y la interpretación están indisolublemente unidas y son el alma de este proyecto. Como dice Luciano Berio “el instrumento es un organismo que actúa y piensa con nosotros”

El TRoneitor está íntegramente construido con scrap electrónico, que es una manera elegante de llamar a un tipo particular de basura que la sociedad actual produce en absurdas cantidades. Reciclar esta basura y crear a partir de ella arte sonoro y musical, constituye para el Dúo TRoneitor, a la vez que un camino de investigación artística, un modo de cuestionar abiertamente nuestros hábitos de consumo y descarte como habitantes de un planeta de recursos finitos.

Elliot Yair Hernández López

En la actualidad estamos involucrados en un mundo donde la electricidad es esencial para el funcionamiento de la mayoría de las cosas. Incluso en la forma en que funciona nuestro cerebro, que se basa en descargas químicas que dan lugar a corrientes eléctricas que permiten la comunicación entre las células cerebrales. Por lo tanto, puedo decir que todos somos parte de la electricidad y la electricidad es parte de nosotros. Es por eso que esta pieza electroacústica busca llevar al público a un espacio abstracto donde converge la experiencia de los sonidos cotidianos y transformados, creando una narrativa donde todos somos parte de una descarga eléctrica.

Elliot Yair Hernández López, nacido el 3 de junio de 1999 en la ciudad de Xalapa, Veracruz.
Estudió arte sonoro con Manuel Rocha Iturbide, composición electroacústica multicanal con Edmar Soria y cómputo físico con Hugo Solís.
Ha trabajado como asistente de producción para Edmar Soria y Hugo Solís, fungió como coordinador de montaje y producción para el Primer Coloquio Internacional: Espacio-Inmersividad organizado por la UAM Lerma (2018) y como apoyo técnico/montaje para el Segundo Coloquio internacional Espacio-Inmersividad.
Ha presentado sus piezas en el Museo Valle de la Luna Zambatha EAD 3.0 (2018) y EAD 4.0 (2019), en el Centro de Investigación Coreográfica (2019) y se ha presentado con el colectivo Tekné en el Primer Coloquio Internacional: Espacio-Inmersividad. (2018) y el Festival de Música y Arte Contemporáneo (MAC) (2018) y como invitado en la programación de arte sonoro La escucha como acción 2020 (Perú).
Sus piezas electroacústicas han sido presentadas en el Segundo Coloquio Internacional Espacio-Inmersividad organizado por la UAM Lerma (2019) y en el Festival Ecos Urbanos organizado por el Tecnológico de Monterrey (2019)
Como artista digital busca experimentar con distintos objetos y disciplinas para crear piezas inmersivas, reflexivas y abstractas con la finalidad de crear sensaciones y emociones al espectador mediante elementos audiovisuales.
Sus intereses son la composición electroacústica, videomapping, visualización y sonificación de datos, realidad aumentada aplicada al arte, cómputo físico, espacialización del sonido, entre otros.

José Duarte Pinzón

Neologismos es una pieza que trata de ilustrar el sonido de la mezcla de frecuencias de una gigantesca antena de transmisión ubicada en Beijing, China construida para transmitir las olimpiadas del 2008 al mundo entero. Estas frecuencias se convierten en voces que producen nuevas palabras acompañadas de nuevos significados.
Está compuesta a base de grabaciones de campo hechas en el Olympic Green, villa olímpica, en Beijing. Todo el procesamiento de sonido fue hecho con PD (Pure Data). Asimismo se mezclan esos sonidos con las mismas grabaciones de campo sin procesar.

José Duarte Pinzón. Descompositor de sonidos y alquimista sonoro. Tiene una maestría en tecnología musical en la universidad Chiao Tung en Taiwán donde estudió composición algorítmica con el maestro Phil Winsor. Ha participado como compositor de danza contemporánea y de música y efectos de sonido para juegos de video; recientemente participó en el juego Nexomon, publicado en Nintendo, PS4, Xbox y Steam. Nominado a los premios ACAM en la categoría de música electroacústica. También participa en proyectos musicales como Killer Robot, Sonorum-Music y Godzillasaurus junto a Fernando Arce (aUTOPerro). Productor de conciertos de música experimental en Extremos Sonoros desde el 2010. Sus intereses son el ruido, la síntesis de sonido, construcción y modelos físicos de instrumentos. Actualmente ofrece charlas y talleres sobre música electroacústica, síntesis y música generativa.

Jenny Ramirez Osorio

Esta pieza nace del deseo en su momento reflejar el mundo sonoro en el que habitaba, el de tocar a diario el clarinete y todo lo que este ritual implica con el mundo electrónico/electroacústico que por vocación habito también; de este anhelo de incorporar los sonidos propios pero «no musicales» como lo son el soplo, el aire, la respiración y por medio de la experimentación se fue dando esta obra, que además, representa sonoramente lo que cotidianamente vivimos la mayoría de la población, que es ser seres humanos habitando un mundo entreverado con señales eléctricas y electromagnéticas. Pieza eléctrica es el reflejo del ser hoy, aquí y ahora.

Artista sonora – clarinetista- compositora con medios electroacústicos y electrónicos, nacida en Colombia y radicada en Argentina. Explora los recursos sonoros del clarinete por medio del procesamiento digital, crea y fusiona sonidos y ritmos del entorno, de sus propias máquinas sonoras (DIY), sintetizadores y sequencers dando vida a sonoridades y atmósferas que pertenecen a todos los géneros y al mismo tiempo a ninguno.Ha realizado composiciones para diversxs artistxs y disciplinas entre las que se encuentran, la danza, el cine y el teatro. Ha participado de festivales internacionales como “LABIONICA – Mujeres artistas sonoras de América Latina” proyecto en colaboración entre Interface (Chile) y la casa del sonido RTVE (España) en 2015, “ENCUENTRO DEL 4TO TIPO” en 2018 (Argentina). Realiza en el 2019 el Remix de la obra “Otro lugar” para la banda PAR (Uruguay). Ha participado de jornadas como la “JAMTEC” en 2018 (Universidad Nacional de Quilmes). Ha sido seleccionada para la  residencia cultural PROYECTO CASA USINA EN RESIDENCIA en 2017. Ha dictado talleres sobre sonoridades y Transmedia en diferentes universidades de Argentina como lo son la Universidad Nacional del Litoral y Universidad Autónoma de Entre Ríos. Ha formado parte del colectivo FEMINOISE (donde hace parte del compilado Feminoise Latinoamérica Vol.3 y de Canciones de mujeres Argentinas, ambos del sello Sisters Triangla Records -Patagonia-). Gestora de la sede FEMINOISE en el LITORAL de Argentina. Ha tocado en eventos culturales como la noche de los museos e inauguraciones de muestras artísticas. Ha grabado y profundizado sus conocimientos en el reconocido Estudio-laboratorio “La siesta del fauno” con Ernesto Romeo (BsAs). Realiza estudios de Foley en “LaISLA–Laboratorio para la investigación sonora en lenguajes audiovisuales” Universidad Nacional de Córdoba (UNC). Actualmente es docente en la universidad Adventista del Plata (UAP), y en la Universidad Nacional del Litoral (UNL) sede Reconquista (Sta. fe). Perteneció a RUIDAS Colectiva Experimental Pná-ER

Luciano Piccilli

La pieza se apoya en el concepto del “carnaval” o “corso”, como se le suele llamar en ciertas zonas ligadas al litoral argentino. Ritmos, ruidos varios, griteríos y bocinas, un cambalache de sonidos que nos sugiere cierto desorden, caos y al mismo tiempo, cierta armonía. La pieza oscila entre esos dos mundos, evocando así el ambiente de una noche carnavalesca que resuena en su partida al son de un “algodón que se va” (fragmento del «Cosechero» de Ramón Ayala).

Diseñador de Imagen y Sonido egresado de la UBA. Autor y diseñador sonoro de la obra Montaña Azul ganadora del 1er Premio en la Bienal de Diseño de la UBA y Selección Oficial del Festival Internacional “First Look” (Los Angeles, CA). Ha participado de exposiciones en en el Centro Cultural San Martín (Game On 2015-2016), Salón Nacional de Artes Visuales (Premio Itaú 2016), Tecnópolis Federal Misiones (2017), Festival Cartón (2017). Realizó estudios de posgrado en Arte Sonoro y Música Expandida (UNTREF, UNSAM). Su obra performática Sonidos Débiles fue seleccionada por el Festival Estéticas Expandidas 2019 (Colombia/Ecuador) y Proyecto Tanque , música para sitio específico (UNSAM 2019) . En la actualidad se desempeña como realizador audiovisual en UBA WEB TV.

Guillermo Eisner

GUITARRÍSTICAMENTE (2007)
Obra electroacústica publicada en el CD Habitar el tiempo (2012), compuesta en los estudios de la Fundación Phonos, Barcelona. Guitarrísticamente, construida completamente con muestras sonoras del instrumento que da origen a la obra, busca explorar nuevas posibles sonoridades de la guitarra gracias al procesamiento electroacústico y al micromontaje. La obra se estructura en base a la lejanía y cercanía del referente sonoro, haciendo posible descubrir otras formas de escuchar el instrumento.

Guillermo Eisner (Uruguay, 1980)
Doctor (c) en Música campo de Composición Musical en la Universidad Nacional Autónoma de México. Estudió música y composición en Chile, España, Portugal y México. Ha desarrollado música de concierto acústica y electroacústica, participando en festivales en Sudamérica, Norteamérica y Europa. En 2019 publicó el cd música de barrio (Cero Records, México). En 2017 estrenó la ópera de cámara Titus en el Teatro Helénico, Ciudad de México. En el año 2015 publicó el libro + cd guitarrerías. 10 monotemas para guitarra, y estrenó la ópera de cámara La isla de los peces, en el Centro Cultural GAM, Santiago. En el año 2012 publicó el cd de música electroacústica habitar el tiempo. Junto con esto, ha desarrollado una intensa labor creativa en el ámbito de las artes escénicas y audiovisuales componiendo la música y el diseño sonoro de diversas obras de teatro, danza y video danza.

Desde 2019 es profesor del Departamento de Sonido de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

Eduardo Palacio Guerrero

Compositor nacido en la Ciudad de México, en 1978. Obtiene un certificado del Trinity College London – Inglaterra.

Posteriormente parte a vivir a París – Francia, donde obtiene certificados en composición instrumental y composición electroacústica

2016 / 2018: Programado en Buenos Aires y en Brasil, dentro de la Muestra Internacional de Música Electroacústica – MUSLAB. Finalista del Concurso de Música Electroacústica EFME – Argentina.

2018 / 2020: Seleccionado para ser parte de IN-SONORA 10 y 11, Muestra de Arte Sonoro e Interactivo / Madrid. Obtiene el segundo premio del XI Concurso de Composición Electroacústica 2018 de Fundación Destellos – Argentina.
Programado en el Festival Futura / asociación MOTUS – Francia.

Programado en Barcelona – España, en el centro de creación Phonos.

2020: Ganador de Luigi Russolo Award 2019 – Francia / Internacional. (Conciertos 2019/2020: Francia, Grecia, Eslovaquia, Irlanda, Escocia, Japón, Suiza, Portugal, Italia, Rusia y Praga).

Mención honorífica en el Festival Sound Spaces de la asociación Hertzbreakerz – Suecia.

Seleccionado para ser parte del ICMC International Computer Music Conference 2021 / Santiago – Chile.

Programado por el Laboratori Fabrica del Vapore en el Contemporary Music Hub / Milán – Italia.

Finalista de las Competencias de Música Electroacústica:

SIMEC 2020 – Asociación Univers Sonores Parallèles – Francia / Internacional.

XIII° International composition competition Città di Udine – 2020 – Italia / Internacional.

Marcelo Javier Zanardo

Big-bang es un estudio sobre como se expanden los sonidos, partiendo desde un sonido reconocible hacia la trascendencia de la escucha, subjetivamente desarrollada. Big-bang provoca un caos controlado que culmina con la creación de un orden no reglado pero reconocible. La obra esta diseñada octufónicamente. También se encuentra en versión cuadrafónica.

Egresó del Conservatorio de Música «Julián Aguirre», de Banfield, como Profesor Superior de Dirección Coral y como Profesor Superior de Composición. Realizó estudios con, los compositores Luis Arias, Luis Sardo y Eduardo Wilde y en música electrónica con el Mtro. Daniel Schachter.
Se perfeccionó con los maestros internacionales: Alberto Grau y Werner Pfafft, en Dirección Coral; en música contemporánea y electrónica con Mikhail Malt y Olivier Pasquet de París.
Se desempeña como profesor en el Conservatorio provincial de Música “Julián Aguirre”, Banfield; Buenos Aires.
Recibió premios de composición, entre otros, de la “Fundación Encuentros Internacionales de Música Contemporánea” y de SADAIC, el premio “Guillermo Gretzer”.
Como Compositor, sus obras fueron presentadas en diversos ámbitos: Conservatorio de Banfield, “Scala de San Telmo”, “Circolo Italiano”, “Teatro 25 de Mayo” de Buenos Aires, “Banfield Teatro Ensamble”, “Colegio de Abogados” y “Casa de la Cultura” de Buenos Aires, “Centro Cultural Recoleta” y “Teatro Colón” de Bs. As., «Univ. Nac. de Lanús», Univ. Nac. de Córdoba» «Conservatorio Santa Cecilia» de Roma, Italia; UCA de Chile, Santiago de Chile; UNLitoral, Santa Fe; “Usina del Arte”, CABA

Patricio Coronado Benavides

La pieza “Canto de la Piedra” nace de un intento por establecer comunicación con el pasado histórico a partir de los petrograbados. Fue grabada al norte de México en la zona arqueológica Boca de Potrerillos perteneciente al municipio de Mina, este sitio es uno de los lugares con mayor presencia de petrograbados en el país. Los petroglifos fueron descubiertos hasta los años noventas del siglo pasado y se estima que fueron realizados hace aproximadamente 9,000 años, dato que cambia radicalmente el entendimiento de la historia que se conoce acerca de las civilizaciones que circularon en lo que hoy es México. La pieza forma parte de una serie de grabaciones en el lugar. En este primer acercamiento lo que se escucha es el contacto de un micrófono piezoeléctrico sobre una de las piedras que cercan El Promontorio, lugar en donde los chichimecas realizaba rituales y ceremonias.

Patricio Coronado (1992) de madre nuevolaredense y padre oaxaqueño, crece igualmente influenciado por la cultura mexicana-estadounidense que por la tradicional oaxaqueña. Ambos padres aficionados a la música influyen en su gusto por ella y es de sus hermanos de quienes aprende las primeras lecciones técnicas. El contexto cercano a la devoción y fe religiosa ha permeado su trabajo, abordando practicas que van de la ingeniería al misticismo y abarcando áreas como la acústica, ingeniería de audio, música e imagen. Es graduado del ITESM como Ingeniero en producción musical. En 2013 co-fundó Vacío, agencia dedicada al diseño acústico. Colaboró en EspacioenBlanco, plataforma que promueve la crítica y la investigación en el arte. Ha dado clases de música y producción en distintas instituciones, trabajado en el área visual como editor de video, director y fotógrafo y como productor, ingeniero, compositor, y arreglista en el ámbito sonoro. Sus proyectos musicales incluyen trabajo en México, Estados Unidos y Canadá con artistas como Pirámides, Mesquite, Barefoot Mountain, Los Diabólicos, El Shirota, The Mud Howlers, FM y Los Mundos. Actualmente trabaja un archivo musical del noreste de México, hace grabación de campo y gestiona proyectos de arte sonoro en el colectivo Nudos. Focaliza su búsqueda en los fenómenos de la comunicación.

Nicolás Gulluni

«Campos de Fuerza» es una obra que extrae su procedimiento de la Teoría de la Relatividad General. Esta propone que la geometría del espacio-tiempo se ve alterada por la presencia de materia. En función de la masa que posea esta materia, la misma producirá una curvatura del espacio-tiempo debido a su fuerza gravitatoria (que será directamente proporcional a la cantidad de masa que tenga esta materia).
A partir de este precepto, extraje un procedimiento para trabajar en el campo sonoro. Partiendo de un «estado de inercia», que no implica inmovilidad sino un estado de equilibrio dinámico, la obra se desarrolla por la aparición de diferentes «masas» en el espectro audible que aplican una determinada atracción gravitatoria hacia la materia (sonora) presente hasta el momento, torciendo así la curvatura del espacio-tiempo de la obra. La materia sonora se ve atraída hacia un lado o hacia otro, y con una velocidad variable en relación a la masa del nuevo objeto que aparezca.
De este modo, la obra se desliza en constante pliegue y repliegue de su propio espacio-tiempo, del mismo modo que lo hace el universo, en una constante interacción entre diversos campos de fuerza y su respectiva capacidad de atracción.

Soy compositor y artista sonoro. En mi trabajo incorporo elementos de la música académica contemporánea con herramientas electrónicas y provenientes del campo de la música electroacústica. En la composición me interesa particularmente la operación de traficar conceptos de disciplinas científicas al campo artístico, buscando en las primeras diversos procedimientos que sirvan de motor a las creaciones sonoras. Ejemplo de esto son mis obras «Estructuras Reticulares», «Campos de Fuerza» y «El origen de las especies». Me interesa particularmente el trabajo trans-disciplinario, también en el cruce de diferentes disciplinas artísticas. Pude trabajar en conjunto con artistas visuales diseñando la sonorización de muestras de arte, instalaciones y realizando el diseño sonoro para diversas performances. También realizo música para teatro y danza. Para mis obras empleo herramientas de programación como el Max For Live que me permite realizar procedimientos generativos sobre la música o visuales audio reactivas con Jitter. También empleo el Ableton Live como herramienta de edición y exploración sonora para expandir, contraer, o alterar las posibilidades del sonido. En el último tiempo estuve explorando la interacción entre los instrumentos tradicionales y el procesamiento en vivo del sonido a través de Max, realizando obras para clarinete y electrónica, guitarra y electrónica y cello y electrónica.

Luis Eduardo Caballero Barreto a.k.a Ruidista Naturalista

RNS

RNS Es una obra sonora realizada a partir de samples de diferentes experimentos sonoros individuales con sonoridades producidas por elementos que generan sonido con los floreros o copas de cristal al ser frotados, transistores NPN, Timer 555, y diferentes samples de mi colección musical, todas estos diferentes intentos sonoros han sido registrados en diferentes medios como: grabadoras de cassette, teléfonos celulares, Grabadoras digitales y computadores portátiles. Estos registros fueron organizados y dispuestos en samples, para ser interpretados por intermedio de un sampler Akai mpx8.

El Proyecto artístico ))))RUiDiSTA Naturalista(((( es un proyecto de arte sonoro creado por Luis Eduardo Caballero Barreto a.k.a Ulises Lima. Este proyecto artístico tiene en la diana apoyar procesos de reforestación, recolección de semillas y protección del material genético de las especies vegetales de la región andina. Esta larga extensión de tierra tiene muchos lugares y sonidos a propios que poco a poco he explorado y espero seguir explorando.

Eduardo García García

La serie «Vanitas» retrata una ciudad, ahora distante, con sonidos que poco a poco han ido desapareciendo en distintas colonias del territorio mexicano a causa de la gentrificación.

En Vanitas III, escuchamos un recorrido que parte de la calle de Tlaxcala en la colonia Roma Sur hacia la avenida Insurgentes, punto donde convergen distintos medios de transporte público. al comienzo nos encontramos frente a un panorama silente, en el que impera el sonido del tránsito vehicular, el sonido que emite la bocina del vendedor de tamales con su típica publicidad nos habla sobre la identidad del lugar, a medida que se aleja se disuelve la acústica en un plano homogéneo.

Eduardo García (Ciudad de México, 1994) trabaja el paisaje sonoro de la ciudad de México como una mezcla entre ruidos industriales y digitales, sumados a los sonidos particulares cómo el grito de pregoneros, y perifoneo que se encuentran dentro del territorio.

De manera recurrente encontramos en sus obras el uso de osciladores a manera de drone, que se suman a las grabaciones de campo, haciendo un paralelismo entre el «ruido» urbano y el eléctrico, entendiendo ambos como elementos compositivos dentro de la pieza.

Elí Misael Pinto Loyra

Una remembranza inspirada en la intensa relación de diferentes pueblos en el sur de la Huasteca Hidalguense, en la que aún sostienen lazos que les permiten compartir numerosos rituales culturales y emblemáticos. Un ritual de desagravio a la Ondina, la dueña del agua dulce, será el detonador de una reflexión ancestral, en donde toda su cosmovisión se manifiesta.

Elí Pinto (Mérida MX-YUC, 1981) Artista Sonoro, Musico, Chef e Investigador.

Egresado en Matemáticas de la Escuela Superior Administrativa A.C., inició su labor como profesor en Diagramas de Flujo, Diseño de Mapas Conceptuales y Mentales bajo un programa destinado a estudiantes de 6 a 16 años, posteriormente se integró al Arte culinario en Gastronomía Intercontinental como Head Chef, también de forma bipartita se incursionó al Tornamesismo e Improvisación musical, colaborando en compañías internacionales de Teatro, Danza y Performance.

Actualmente vive en la Ciudad de México y es director de LAYER Mini-ciclo para la Sonorización de Cortometraje, Video-arte y Performance, el cual utiliza de plataforma para presentar su proyecto de investigación dirigido hacia la meditación profunda y la inducción hacia los diferentes tipos de sueño lúcido a través de terapia sonora subliminal.

Ha sido miembro formal de «Ensamble No.Estación.Arte», compositor en «MéDIUM Poesía Sonora», arreglista en «Ensamble Estridor» y fundador del dúo audiovisual de Noise «Cachexia».

Conversatorio Oscilaciones:  ¿Cómo vino la idea? ¿Cómo sucedió? 1pm (Col) 

Alexandra Cárdenas  - Sandra Fuya - Alma Laprida - Andrea May 

Galante-Conde-Murat

Matias Padellaro – Natalia Segura

Matías Padellaro:
Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos (UNQ),su producción comprende obras para medios mixtos, acústicos, electroacústicos y para escena. Ha participado en diferentes festivales/conciertos/workshops destacándose Sonorities Festival 2020 (Belfast, R.U), Nanópera 2019, Barbados Artes Escénicas (Bs As, Arg.), Nordic Saxophone Festival 2019 (Aarhus, Dinamarca), TACEC Generación (Teatro Argentino de La Plata-2018), residencia de obra bajo la tutoría del compositor Simon Steen Andersen (Dinamarca) y el Trio Cath (Alemania), “Urondo Contemporáneo-concierto nro 4” (Centro Cultural Paco Urondo, Bs As-2018), entre otros. Al mismo tiempo se desarrolla como compositor e intérprete del Ensamble Rondon Crowell.
Natalía Segura:
Coordinadora de contenidos (freelance) para diversos proyectos audiovisuales emitidos en canal Encuentro, Pakapaka y TEC TV (Argentina) vinculadas al arte, educación y perspectiva de género. Realizadora audiovisual y guionista de documentales y vídeo experimental.
Profesora en el ámbito terciario y universitario de materias vinculadas al arte, la comunicación, los medios audiovisuales y las tecnologías.
En vías de culminación de la tesis en realización audiovisual vinculada a la narración en primera persona en el documental. En desarrollo de la tesis de maestría vinculada a las narrativas transmedia y el documental.

Matías Padellaro:
-Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos – UNQ -2015
-Profesor de Artes en Música- EMBA «Carlos Morel»- 2007
-Maestría en Arte Sonoro- UNQ – En curso
Natalía Segura:
-Profesora en comunicación Audiovisual – FBA – UNLP – 2011
-Licenciatura en Realización Audiovisual – FBA -UNLP – En curso
-Maestría en Comunicación Audiovisual Digital –UNQ – En curso

Diego Alejandro Garzón

Nací en Pereira Colombia, 1980. Licenciado en Artes Visuales de la Universidad Tecnológica de Pereira. Busco crear gestos que se infiltran en la cotidianidad, activando una lúdica entre objetos, palabras, archivos y estímulos sensoriales para cuestionar el contexto sociocultural, a partir de lo autobiográfico, jugando con el lenguaje dentro de ese contexto donde estoy, con sus relaciones de uso y poder, investigando cierta fuerza de apariencias pequeñas, primitivas e infantiles, buscando alguna resignificación simbólica. En 2010 participé con el happening Musilandia en el día del migrante convocado por Tania Bruguera. En 2013 ganador por Colombia de Festival Internacional simultaneo de Videoarte Inmediterraneum. 2016 Beca de Circulacion nacional II Ciclo de MinCultura. Beca Experimenta Sur. Miembro de Colectivo Traficantes con quienes realizamos en 2017 una residencia artística en Matadero ( España) Panorama Sur ( Argentina) y Mapa Teatro- Bogotá. En 2018 es seleccionado para participar en Al Zurich Encuentro de Arte y Comunidad en Quito- Ecuador. A partir de ejercicios de co-creación y dispositivos, esta practica abarca varias disciplinas y por lo general se direcciona en proyectos de largo plazo, donde se busca cuestionar algunas relaciones sinestesicas, afectos e imaginarios culturales.

Licenciado en Artes visuales de la Universidad Tecnólogica de Pereira, 2011. Taller asistencia curatorial. 44 SNA. Museo de Arte de Pereira 2015.

Maximiliano Mas

«SubTerra» es una obra inspirada en el libro homónimo del escritor Chileno B. lillo en el cual relata el infierno que sufrían los mineros junto a sus familias en las minas de la ciudad de Lota (Chile) desde fines del S. XIX. El video de esta obra es el resultado del procesamiento de un video original de esas minas en la década de 1950. La música es original para la obra. Fue ejecutada en un Arcilaúd «expandido» y pedales de loop.

Maximiliano Mas es un artista de Buenos Aires, desde 2015 se dedica activamente a la creación de música experimental. En 2020 grabó un disco de música minimalista y experimental original para Archilaúd «expandido» que saldrá por Sellopostal en el corriente año. En paralelo creó una serie de piezas audivisiales para Archilaúd «expandido» y ensamble.

María Laura Dominguez y Martín Matus Ler

Espejo es una producción conjunta entre Martín Matus Lerner y María Laura Dominguez, en donde nos preguntamos sobre qué sucede cuándo en vez de asistir a la gran oferta de conferencias y cursos remotos, nos vemos y oímos a nosotr@s mism@s suspendidos en la virtualidad extrema de estar aislados e interpelados por pantallas.
Espejo se pregunta sobre cómo nos vemos y oímos en ese hábitat pantalla que se reclama como medio exclusivo para entrar en contacto con otr@s. Cómo es el avatar que nos representa en este momento donde el encuentro presencial es peligroso, donde el cuerpo del otr@ es una amenaza de contagio, del mismo modo que nosotr@s somos una amenaza.
Los materiales sonoros utilizados son resultantes de la realimentación acústica (feedback) generada por la interacción entre micrófono y parlante al usar plataformas de videoconferencia, y es habitualmente considerada un efecto indeseado o un defecto técnico propio de las condiciones de escucha. Dichos materiales fueron esculpidos y procesados mediante diferentes efectos y procesadores de audio. En el mismo sentido, el material de la video performance es una captura de pantalla en tiempo real de una sesión de videoconferencia, editado a posteriori solamente por cortes.

María Laura Dominguez es artista visual docente e investigadora.
Es docente en la Universidad Nacional del Artes y en la Maestría en Arte Sonoro de la Universidad Nacional de Quilmes. Coordina proyectos de gestión y producción cultural en la zona oeste del conurbano bonaerense, donde reside.
Egresada como Magister en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas ( UNTREF-2017), Licenciada y Profesora en Artes Visuales (UNA 2010 y 2008).
Ha recibido diferentes incentivos como la Beca de Creación del Fondo Nacional de las Artes 2018-2019 y el primer premio Grete Stern a las Artes Visuales, Morón 2019.
Martín Matus Lerner es músico electrónico y artista sonoro.
Director de la Maestría en Arte Sonoro de la Universidad Nacional de Quilmes. Es Magister en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas (UNTREF-2016) y Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos por la UNQ, en donde se desempeña como docente investigador. Ha presentado obras en el Festival Sur Aural (Bolivia, 2019-2020), Visiones Sonoras XIII (México-2017) y Festival Tsonami Córdoba (Argentina-2013). Ganador del primer premio del concurso Sonoclip con medios electroacústicos organizado por el LIPM y la Fundación Música y Tecnología (2010). En 2013 gana una mención en el premio Bridgestone al arte emergente con Mute.

Anésio Azavedo Costa Neto a.k.a Stellatu

Pretende-se, com “sobre|paisagem”, criar circunstâncias de observação para a experiência multissensorial num dado contexto espaço-temporal: o Cerrado brasileiro é evocado em sua potencialidade poética a partir da fulguração estética das camadas visuais em continuum.
As camadas visuais são criadas tendo-se em vista a sobreposição de elementos estéticos das imagens: tais como formas, cores e objetos da paisagem que tenham alguma correlação entre si. A isso são assomados efeitos visuais de transparência e/ou transição entre as imagens, cada qual pensado de forma a integrar sutilmente as imagens numa teia de ocorrências que serão apresentadas concomitantemente ao ato de tocar as trilhas sonoras. A partir de sobreposições de imagens, que apresentam mãos tateando rochas, solo e gramíneas, o vídeo busca estabelecer a sensorialidade (qualidade do que é sensorial) como artefato de perscrutação das camadas que compõe a paisagem – entendida como a circunscrição territorial (física) do entorno dinâmico perceptível.

Anésio Azevedo Costa Neto is a Multimedia artist; Philosophy teacher and Ph.D. candidate for Universidade de Brasilia (UnB).
Under the name «stellatum_,» Anésio Neto explores sounds, either recorded from Cerrado – a dominion/biome in Brazil – or produced by himself to create audiovisual ambiances that aim to expand one’s perception of Nature by offering cues to perceive its owns length of time.

Ollin Vásquez González

Grieta . Derrame
Ollin Vázquez González

Grieta . Derrame es una composición acusmática del compositor mexicano Ollin Vázquez, acompañada por un video realizado en colaboración con la artista Lucía Taibo Guzmán. La obra surge como una exploración de la voz del compositor, indagando y manipulando el abanico de frecuencias y timbres que resultan de la proyección de esta, es un intento por sumergirse en las producciones sonoras que hay dentro de la boca y en la respuesta del exterior. La pieza trata de enfatiza en la boca como un intervalo entre lo interior y lo exterior, cuestionando la separación entre las producciones fónicas internas con las externas, la voz como un eco infinito trans-corporeo y resonante.

Nacido en Juchitán de Zaragoza, Oaxaca, en el año de 1993. Ollin Vázquez es un compositor enfocado principalmente en las tecnologías musicales, la música experimental y la música vocal. Terminó sus estudios de composición de música clásica en la Academia de Arte de Florencia en el años de 2019 y actualmente se encuentra cursando el posgrado de tecnología musical de la Facultad de Música de la UNAM.
A la par de sus estudios y su trabajo constante como compositor, ha trabajado en la Fonoteca Nacional de la ciudad de México como parte del equipo de investigación. También ha participado en múltiples presentaciones con el coro de la Academia de arte de Florencia, participación como intérprete para la percusionista Robyn Shulkovsky (2015) y la producción y participación del concierto de Resonancia Espectral Sub-armónica con Ariel Guzik. Su música como compositor y como intérprete ha sido presentada en lugares como la Fonoteca Nacional de la Ciudad de México, la 39 Feria internacional del libro de Oaxaca, el Instituto italiano de cultura, el Parque México, el jardín sonoro de la Casa del Lago Juan José Arreola, el Museo de Historia Natural, entre otras.

Laura Morán – Julián Di Pietro

Dichosos i Felices es un archivo puesto a disposición de la máquina que trabaja, que hace loops, que mira y controla, es el pasado transformado en presente. El contraste profundo que demarcamos entre una visualidad desde lo que ya no es, desde el archivo y un sonido que es hoy, que nos marca la visión desde la contemporaneidad. Sonido ultra procesado actual versus imagen de ayer. Esta acentuación, creemos, tiene una potencia semántica muy marcada. Por lo tanto la obra se plasma desde el contraste del paso del tiempo y la reflexión sobre qué es el hoy. Y aún más, este contraste toma conciencia de esta posmodernidad naturalizada.

Somos un grupo de artistas, estudiantes de la Especialización en Arte Sonoro de la UNTREF, el mismo está conformado por:
Julián Di Pietro: Lic. en Composición Musical. Ha trabajado en más de 50 producciones como Compositor, Arreglador, Productor Musical y Diseñador Sonoro, incluyendo las ramas de TV, Publicidad, Cine, Teatro, Teatro Musical, Videojuegos, Jingles y Radio.
Laura Morán: Licenciada en Audiovisión y Técnica en Sonido y Grabación. Se desarrolla actualmente como Realizadora Audiovisual, siendo parte de varios proyectos audiovisuales, desempeñándose en el ámbito artístico, así como en la creación de contenidos tanto para web, Publicidad y TV. Además es sonidista para música y radio. Realizó obras de arte electrónico y sonoro.
Leonardo Cullari: Es músico profesional, compositor, arreglador y saxofonista con una sólida formación, con 15 discos de estudio grabados a la fecha, 9 giras internacionales y habiendo tocado con varios músicos de renombre. Es Licenciado en Artes Visuales y expone actualmente en varias Galerías.
Luciano Piccilli: Diseñador en Imagen y Sonido, se ha especializado como diseñador sonoro y ha desarrollado proyectos orientados al uso de tecnologías en crecimiento como la realidad virtual y aumentada. Varias de sus obras fueron seleccionadas y premiadas en múltiples festivales nacionales e Internacionales. Además se desempeña como Realizador Audiovisual.

Rodrigo Acevedo Villegas

Obra realizada por Rodrigo Acevedo Villegas, durante la 4ta RESIDENCIA EXPERIMENTO INVE 2017, organizada por INVE, Plataforma Experimental de Artes.
Tutores DUO STRANGLOSCOPE, Brasil.
Cláudia Cárdenas y Rafael Schlichting
Música__Naturaleza Muerta
Compositor__César Bernal__2013
Intérpretes__Alvaro Toledo | Claudio Bernier | César Bernal
Grabación y Masterización de audio__Sebastián Tapia
Imágenes__Alejandro Parrao__Rodrigo Acevedo
Grabación de presentación en Vivo GAM , Stgo_Chile.

Comunicador audiovisual, de Valparaíso, ligado a las artes experimentales. Ha desarrollado diversas obras visuales y sonoras experimentales , participando activamente en la escena de Valparaíso, Chile.

Dalvi Kai

Nimbus de Sasoo y Dat Cloud Test 001/002 conforman una tríada de videos compuestos por selecciones aleatorias de imágenes del firmamento que proceden de Animes diversos. En las secuencias de montaje, estos se vuelven atmósferas digitales a través de glitches, los cuales acontecen dependiendo del soporte de donde se hayan obtenido; de esta forma el control sobre la imagen es parte de un sistema que es determinado por lo azaroso del error. Su configuración no deja de poseer la deriva de un mero experimento, un test de prueba sobre la artificialidad representativa de un entorno y la naturalidad en la que el mismo se percibe.

Artista multidisciplinario nacido en Monterrey, N.L., México, 1990. Licenciado en Administración por la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), con estudios de producción y grabación musical por la escuela RecnSound, actualmente cursa la carrera de Lenguaje y Producción Audiovisual en la Facultad de Artes Visuales. Influenciado por la cultura hip hop y la media digital con afinidad al conocimiento y la veracidad de la información así como la relación que tienen con el poder ante la sociedad y lo que implican. Sus obras van del dibujo, escritura, la investigación, apropiación y manipulación de archivos digitales o análogos, los beats, el sampleo y activaciones in situ público o privado. Busca activar el organismo social, con la necesidad de informar los múltiples daños ocasionados por los medios sociales. A su vez fomentar un pensamiento crítico y reconocer lo importante que es un sujeto consciente en el contexto. Su trabajo se ha presentado en DeadlineMty, NoAutomatico, Espacio Cabeza, Galería de Pabellón M y Mana Contemporary por mencionar algunos. Ha sido seleccionado en programas como “[A] Fuerza de Trabajo” y “SONDA”; Plataforma de Proyectos Fotográficos 2018” y residencias artísticas como Espacios en Colisión. Recientemente forma parte de Nodecierto y colabora en Proyecto Timba.

Dúo Troneitor + Magne : Soundscraps

El Plata a su Derecha
Las luces y sombras de la urbe y el suburbio se mezclan con su pasado ancestral.
Un viaje audiovisual creado por Pablo Magne, a través de una versión libre del poema “Buenos Aires” de Alfonsina Storni e inspirado por el cruce con la obra musical creada por Natalia Cappa y Lucas Werenkraut (Dúo Troneitor); realizada a partir de improvisaciones con un set de sintetizadores analógicos Lo-Fi construidos con desechos electrónicos recolectados en las calles de la ciudad de Buenos Aires.
Las voces constituyen el elemento orgánico, generando una atmósfera profunda y oscura.
Esta obra es parte del proyecto «Soundscraps» formado por el Dúo Troneitor y Pablo Magne. Esta formación ha realizado numerosos conciertos y han sido distinguidos por la presente obra en el último Festival Internacional de Videoarte – Fiva 9, realizado en Buenos Aires (2019).

Pablo Magne
Director de cine; fotógrafo, diseñador gráfico y productor de medios audiovisuales.Dos veces ganador del Excellence Award, JVC Tokio Video Festival con “La Rosa” y “Facta”.Diseño. Diseñador de portadas de CDs en Groove Unlimited Label y director de arte y diseño en E-dition Magazine (Paises Bajos). Varios de sus trabajos de diseño han sido publicados en los sellos norteamericanos Lotuspike, Spotted Peccary y Plus Timbre. Diseñador sonoro y productor de bandas sonoras de cortometrajes. Realizador visual del musical escénico “Amusia” del compositor argentino Jorge Sad Levi.
Natalia Cappa
Cantante y actriz. Intérprete de música contemporánea e improvisación libre.
Docente e investigadora del desarrollo del cruce de lenguajes audiovisuales.
Ha cantado obras de Stockhausen, Berio, Cage, Feldman, Aperghis, de compositores argentinos; Oscar Edelstein, Jorge Sad Levi, Antonio Tauriello, Facundo Llompart, brasileros como Tim Rescala, colombianos como Lina María Ospina.
Lucas Werenkraut
Cantante, baterista, constructor de sintetizadores Lo-Fi.
Integra como tenor el Coro Polifónico Nacional.
Participa en conciertos sinfónico-corales y producciones de ópera, en los principales escenarios de la Argentina.
Fue protagonista de operas de Edelstein, Fogwill y Gerszenzon.
Cantó obras de Berio, Stockhaussen y Tauriello.
Ha participado de la obra musical escénica Amusia del compositor Jorge Sad Levi.

Citron | Lunardi

Compost n.1 is a part of an artistic project that combine science, video art and digital sculpting and is ispirated by the recent studies of Donna Haraway on the concept of Chtulucene: not a post human world but a human compost world characterized by a continuous process of composition and decomposition.
This change of perspective is urgent especially against the backdrop of the ongoing pandemic, it is necessary – to use Donna Haraway’s words – “to stay with the trouble” in this infected time and deal with kinship systems among various species.
In particular, this video shows a panorama populated by symbiotic assemblages, infected surviving and migrant collaborative beings – artificial intelligences biofabricated – that wallow in a liminal environment between natural and artificial, between mineral and organic in which humanity ha reduced itself to a crystalline form.

Citron | Lunardi is a collaboration between two different personalities: Selene Citron (1986) passing from digital fabrication to performance and Luca Lunardi (1980) who works with video and writing.
Citron is a performer and sculptor. Her research is based on the use of simple materials: plaster, argilla, resin, twine, iron. Her current artistic work focuses on digital fabrication and 3D printing. She is a sculpture teacher in Liceo Artistico “Selvatico” of Padua.
Lunardi is a filmmaker specialized in scientific communication and documentary. His artist research explored some different areas (cinema, video art, science and animal studies).
Their artworks take a critical view of social, political and cultural issues. Often they arise from a very urgent suggestion of the society’s problems. This suggestion often becomes an artifact created by Citron, or sometimes a performance. At this point the object or the performative act becomes a subject that Lunardi develops in film language.
We scrutinize established terms like nature, culture and technology, including their definitional boundaries. We draw up experimental and future-oriented scenarios to reflect upon the hybrid network between humans and their environment.
The artworks become a hybrid that mixes the pixel framework, the 3D print, the performance and the environment. A contamination that redraws the boundaries between the human and the post human, the analogical and the digital, the artificial and the natural. Their works have participated in national and international exhibitions.

Renato Jaime Ortiz Sandivari

«CUANDO.» es un microspot de videoarte que toma el conceptos en torno a la ecologia como nuestro rol en el presente como habitantes, la falta de vitalismo y capacidad movilizadora.
La paleta de colores se presenta saturada en concordancia con emergencia climatica existente.
En lo referido a lo sonoro esta creado con dos loop de cinta (K7) los que a medida que avanzan en su temporalidad se destruyen hasta el silencio.
La finalidad es crear una actitud vitalista movilizadora en el que se considere el «CUANDO» de lo que no ha pasado y el «CUANDO» de lo que pasara.

Soy musico licenciado en artes mencion guitarra clasica de la Universidad de Valparaiso (2009), me dedico a producir, gestionar en torno al arte experimental. Tengo un sello de musica experimental llamado Homeless Low Fi. Me he dedicado a la pedagogia artistica y al trabajo interdisciplinario. Como interprete he tenido la oportunidad de visitar cuidades de mi pais y otros paises (Peru – Arg. NY etc) en festivales y giras en torno al mundo experimental.

Pedro Gustavo Jiménez Herrera

Retorno nace en la experiencia del viaje.

Voces internas van hilando preguntas y afirmaciones asociadas a su retorno a un lugar del que eran parte, mientras atraviesan un canal de agua en la madrugada. El recorrido parte de un momento de oscuridad iluminada por pequeños focos de luz, hasta el momento en que amanece.

Varios espacios son los que se recorren: el exterior, que va emergiendo a través de la luz artificial y la luz natural que lo van descubriendo, y del sonido del agua cortada por una balsa que se mueve atravesándolo. El interior, que es el cúmulo de preguntas y pensamientos que aparecen a medida que se va andando, y que dan cuenta de quienes se fueron, de sus recuerdos, y de su manera de percibir y reencontrar, en el presente, el espacio de afuera.

La mañana es el momento en el que, desde la distancia y observando lo que les es propio, aparece la pregunta y la respuesta fundamental que los trae de regreso. Se trata entonces de un viaje que va de la oscuridad a la luz, de la madrugada a la mañana, y del pasado al presente.

Rita Camoes/Dayana Guzmán

Mise en Son, Mise en Sens, Mise en Scène [Fragmentos]

Es una composición audiovisual formada por momentos de un proceso de experimentación para una creación performática.
Un diálogo entre los sonidos y los cuerpos a través de movimientos libres e intuitivos.
Antes de la creación, la creación. Después de los diálogos, las memorias.

Mise en Son, Mise en Sens, Mise en Scéne*, traducido libremente a, poner en el sonido, poner en los sentidos, poner en escena, dá nombre a la propuesta del proyecto de maestría en artes escénicas de ESMAE (Porto, PT) de Rita Camões en co-creación con Dayana Guzmán, teniendo como foco principal el desarrollo de un laboratorio de experimentación donde, a partir del sonido, como provocador de los sentidos, se llegará a una composición escénica, reflexionando sobre el potencial dramatúrgico del sonido, intentando que las sonoridades prevalezcan sobre la visión.
Los archivos sonoros utilizados fueron obtenidos en varios momentos y lugares en la ciudad de Aveiro, algunos provienen de objetos específicos, otros de ambientes abiertos o delimitados. Las experiencias de sonido incluyeron también la utilización de objetos, cuerpo y voz como generadores de respuesta en movimiento.
* re-interpretación de “Mise en Scène, Mise en Son, Mise en Sogne?” escrito por Patrice Pavis en Theatre Noise (Kendrick & Roesner 2011)

Rita Camões (1990), actriz-creadora, natural de Canas de Senhorin, Viseu, Portugal. Inició su trayectoria teatral en el grupo experimental de Teatro de la Universidad de Aveiro en 2008, donde trabajó con João V. Fino, Liliana Caetano e Jorge Fraga, con quien aún desarrolla proyectos. Colabora desde 2011, como actriz formadora auxiliar y asistente de producción con la compañía START-TEATRO – Núcleo de proyectos culturales dirigida por Cláudia Stattmiller. Ha asistido a diferentes talleres de prácticas teatrales entre Aveiro, Porto, Viseu y Viana do Castelo. En este momento está en proceso de finalización de su maestría en Artes escénicas – variante de Interpretación/Dirección Artística en la escuela Superior de música y artes del Espectáculo, en Porto.
Dayana Guzmán (1992), Bailarina – Co-creadora, natural de Sincelejo, Sucre, Colombia. Inició su camino en la danza Africana con la fundación La Familia Ayara en Bogotá en el año 2013, haciendo parte del grupo de mujeres GuinéFaré guiado por Sandra Gonzales y Luisa Zuñiga. Más tarde haría parte del grupo interdisciplinar AAINJAA dirigido por Homero Cortés durante un año y medio. Ha participado en diferentes talleres de creación coreográfica, danza y percusión, en Bogotá, Aveiro, Lisboa y Porto. Actualmente trabaja en su área profesional como investigadora y lidera el grupo AfroAveiro, creado hace cuatro años con el objetivo de mantener y compartir la práctica de la Danza Africana en la ciudad de Aveiro/Portugal.

Laura Camila Montenegro Cárdenas

Las siguientes piezas surgen a partir de una reflexión y exploración de lo que constituye la respiración, cada vídeo se encuentra intervenido por una grabación diferente. Se busca rescatar la riqueza caótica de la respiración y cómo al ser un sonido ruidoso las partículas que lo constituyen se esparcen entramando imágenes. El habitar cambia y se transforma con relación a la manera en que el cuerpo recibe y produce la respiración.

A lo largo de mi vida he tenido un fuerte interés por la comunicación, específicamente, modos de llegar a un otro, de poder establecer un diálogo a través de la exploración matérica. Inicialmente me apoyé en la escultura como medio, ya que para mí el tacto permitía generar la cercanía entre un otro y uno mismo. Sin embargo en este proceso me he dado cuenta que la conversación no yace en lo táctil, sino en el tipo de interacción. Exploro la posibilidad de sobreescribir la experiencia de manera reiterada y libre; para así tal vez disfrutar genuinamente el olvido y la creación de recuerdos. En esta medida podríamos, generar un diálogo ameno y fiel a nuestros impulsos primarios y perder el miedo a mostrarnos frente al otro. Actualmente me centro en reflexionar en torno a la respiración y los olores, desde un punto de vista sinestésico y empírico. Considero a la respiración como sonido caótico e íntimo, como una reflexión en torno a habitar el cuerpo propio y la casa. El pensar el olfato como el posible puente entre los distintos sentidos, como una invitación a una interpretación distinta de mi cuerpo y de la experiencia en sí.

Alejandra Capera

Muñequita experimenta con sonidos e imágenes, que intentan crear una atmosfera a través del movimiento ¿Qué muestra? ¿Qué esconde? Diferentes matices se entrelazan y bordean eso que no siempre es lo que parece, esbozando una pregunta sobre lo que estamos viendo en la pantalla.

Alejandra Capera es una artista colombiana que trabaja desde su propia experiencia personal, problematizándola y buscando nuevas maneras de habitar tanto su cuerpo como su proceso artístico.
Participó en la realización de murales dentro de la iniciativa: Jóvenes que Tejen Territorios de Paz – Campaña: Dulce Trato. Alcaldía de Teusaquillo y ONG Ayúdanos, Bogotá-Colombia 2017. Dentro del festival de Arte y Decolonialidad Abya Yala, Museo de Arte Colonial, Bogotá-Colombia 2017. Festival Internacional de video Blues y Fusion, Pereira-Colombia 2017. Exposición Igualadas, Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá-Colombia 2018. Exposición Absurdo Programático, Claustro San Agustín, Bogotá-Colombia 2018. Proyecto Rotatoria, edición 2018 Córdoba- Argentina.

Live Coding y los patrones de la música  - Alexandra Cardenas 

(T)Raum: otro espacio imaginario de una memoria fantasmal - Luis Negrón van Grieken 

Paisajes, retratos y rituales  -   Lucia Chamorro 

Vladimir Hernández

El domingo 15 de agosto 8 jóvenes fueron asesinados en Samaniego, un municipio de Nariño (Colombia).

Las ocho víctimas de la masacre eran jóvenes de entre 17 y 25 años, y fueron identificados como: Óscar Andrés Obando, Laura Michel Melo (19 años), Elian Benavides (19 años), Daniel Vargas (22 años), Byron Patiño, Rubén Darío Ibarra (24 años), Jhon Sebastián Quintero (24 años) y Brayan Alexis Cuarán (25 años).

El audio ambienta una poesía-carta que los jóvenes de Samaniego leen durante la movilización en protesta por la masacre.

Diseñador, artista audiovisual. Activista de Internet, investigador en procesos de comunicación e innovación.

Eneida Ramírez / César Pineda / Diego Echeverri

Cali es una ciudad de migrantes, que han construido su memoria sonora con fragmentos de sus sonidos de origen y su de espacio vital actual. Esta creación sonora nace del ejercicio co-creativo realizado en el marco de talleres que exponen el sonido como un vehículo de mediación de las memorias que construyen territorio sensibles
Los motivos sonoros de esta creación surgen de una serie de talleres donde, por medio de la identificación de marcas y señales sonoras aportadas por los y las asistentes, se reconstruye una línea de tiempo colectiva que reinterpretan o se recrean a partir de efectos y recreación plástica sonora. El ejercicio se valida finalmente con los participantes de los talleres, generando un aporte a los procesos individuales y colectivos de memoria e historia popular de una ciudad.

Terraparla es una red establecida con amigos y colegas de confianza, convocados a participar en diferentes momentos de procesos de formación académica y de creación artística, gracias a su nivel de experiencia y experticia en temas fundamentales para el desarrollo de los objetivos de crear y divulgar a partir de sonido. El grupo se origina en función del apoyo a la materialización de la tesis doctoral Mundo Sonoro-social de Eneida Luz Ramírez Centeno, lo que permitió que en el tiempo se crearan confianzas, acciones de reciprocidad y actitudes proactivas, que alentaron la posibilidad de seguir trabajando con posterioridad a la finalización del proceso de formación doctoral. Por ello nos animamos a tener una denominación y una imagen, con lo cual surge el Colaboratorio Terraparla. La expectativa es seguir trabajando en red a partir de los intereses investigativos y de creación de los integrantes.

Zael Ortega

Esta obra de creación sonora está dedicada a Cruz Alejandra Lucas que es originaria de Tuxtla, Zapotitlán de Méndez (Puebla, México), cuya lengua materna es el tutunakú o totonaco. Es poeta y becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, donde trabaja en la creación de un poemario titulado “Las memorias del cántaro”, el cual está divido en cuatro apartados: 1) El nido para el agua; 2) Los amores de luno; 3) El chical de la abuela; y 4) Retorno del hermano. Alejandra Lucas tiene una licenciatura en Lengua y Cultura por la Universidad Intercultural del Estado de Puebla (UIEP). Ha dado clases como voluntaria en el Centro de Estudios Superiores Indígenas Kgoyum de Huehuetla (Puebla), impartiendo las materias de Lengua Originaria Totonaco y Taller de Creación Literaria, entre otras, a jóvenes totonacos y nahuas. Sus poemas tienen como tema principal la vida cotidiana de las mujeres indígenas en su propia comunidad, esto incluye desde luego el tema de la violencia en las comunidades indígenas.

Mishel Rojas

Esta pieza fue una de las primeras en producirse bajo el proyecto de MOLAMOL. Apartándome de estructuras musicales y de nociones auditivas preexistentes es que esta pieza toma voz y no una forma.

MOLAMOL es un proyecto emergente creado en mayo del 2019 por Mishel Rojas con una producción minimalista y el uso de sonidos totalmente digitales en conjunto con grabaciones ambientales es que se cuestionan las formas de producir y escuchar sonidos. Dejando de lado el camino de lo acústico y lo instrumental este proyecto responde a la necesidad de la sonorización de conceptos.

Fernando Laub

MATERIALISMO. En los sólidos, los átomos y moléculas se hallan dentro de una formación definida, dado que una característica de los sólidos es su forma, en los líquidos las partículas tienen movilidad, pero están confinadas a un espacio que ocupan y su libertad es limitada, en los gases las moléculas se trasladan libremente, pero en los átomos los electrones están contenidos en las orbitales limitadas por las leyes de la mecánica cuántica. La energía del éter es la fuerza que fluye constantemente desde las profundidades del Universo, uniendo al hombre con la Creación. El éter es una substancia extremadamente ligera que ocupa todos los espacios vacíos como un fluido y puede considerarse el cuarto estado de la materia.

Compositor, performer y artista visual orientado principalmente a la música experimental y de vanguardia. Sus trabajos son programados en numerosos festivales y conciertos alrededor del mundo, muchos de ellos han recibido premios y menciones. Paralelamente a su labor como músico produce y expone obra visual e instalaciones en circuitos de arte contemporáneo.

Como ejecutante de música en vivo su reciente actividad incluye una gira por Europa en la cual realizó una performance de arte sonoro interactuando con sonidos reales de la calle. Invitado a tocar al festival de música electroacústica de Nueva York y el festival Burning Man edición europea. Como realizador audiovisual produjo un documental experimental rodado en el desierto del Mojave, el mismo fue estrenado en Europa ejecutando su banda de sonido en vivo. En años subsiguientes viaja nuevamente a USA y Europa a tocar en una serie de festivales y conferencias vinculados a la música contemporánea.

Fundador de Delforus, ensamble orientado a la difusión de nuevos lenguajes musicales. Desde mediados de los años noventa hasta la actualidad compuso un vasto repertorio de obras de vanguardia y piezas acusmáticas compiladas de una colección de álbumes editados a lo largo de los años. Mas información en www.flaub.net

Karen Eugenia Chalco Condorhuamán

Descontextualización de grabaciones de sonidos aleatorios vinculados a la construcción de un viaducto (medición de humedad de suelos in situ, granulometría de agregados para pavimentos y compactación manual de rasante) que se transmutan y acoplan a grabaciones manipuladas digitalmente de un día de mudanza, objetos sonoros capturados en la calle y sonidos producidos por un multioscilador DIY.

Improvisadora sonora (Lima-Perú, 1991) en constante aprendizaje de diferentes herramientas a través de talleres vinculados a la experimentación libre con circuitos electrónicos DIY (osciladores, transductores, circuit bending, lo-fi delay, entre otros), grabaciones de paisajes sonoros y programación en software libre (Pure Data, Tidal Cycles y SuperCollider). He participado con sets de noise en algunos conciertos («La escucha como acción» y «Minutos para el fin»), híbridos artísticos («Burdel de poesía», «Desborde» y «Antes del viaje: experiencias sonoras»), compilatorios («Festival Asimtria 15 – Pumpumyachkan», «Xplore: música libre producida con Tidal Cycles» y “Datscha Radio’s Festival: Listening to the Universe – Matter of Space”) y podcast («Ruidos son deseos»). Además, ha iniciado el diplomado en Creación Sonora con Nuevas Tecnologías del CMMAS, Morelia-México. Por otro lado, también ha estudiado Ingeniera Civil (UPC, Lima) con diplomatura de especialización en Gestión de la Infraestructura y de la Movilidad (PUCP, Lima).

Andrés González

Obra concreta realizada con grabaciones de los integrantes del ensamble f(r)actura de Valparaíso en confinamiento. Se le pidió a los músicos que grabaran con sus propios medios, sonoridades que consideraran producto del encierro por la pandemia. Desde sonidos instrumentales hasta sonoridades cotidianas forman parte del montaje y los sonidos fueron procesados principalmente con síntesis granular y mezclada, consecuentemente con la idea «solipsista» de la intercomunicación en pandemia usando cascos, con sistema binaural.

Reseña Andrés González.
Master (M.Mus) Komposition MH Stuttgart.
Magíster en Filosofía PUCV.
Intérprete Superior en Guitarra PUCV.
Licenciado en Ciencias y Artes Musicales PUCV.

Como intérprete ha realizado conciertos en diversos puntos de Chile y Europa ya sea solista o integrante de diversas agrupaciones con quienes estrena y graba diversas obras, algunas de su propia autoría en diversos escenarios a nivel nacional e internacional.
Como compositor ha estrenado varias de sus obras en importantes escenarios en Chile, Argentina, Alemania, España y Francia. Sus obras se han publicado bajo el sello SVR, el Netlabel Pueblo Nuevo, Sello Modular y producciones independientes.
Ha sido premiado junto al CGCL por el Consejo Regional de la Cultura y las Artes por su aporte a la música de cámara 2009 y ha obtenido importantes reconocimientos por sus obras, así como a través de proyectos gubernamentales (FONMUS y FNEA).
Desde el año 2015 es docente en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso. Es fundador y Director del Estudio Modular de Música Actual (EMMA) y Director Artístico del ensamble f®actura, perteneciente a la misma institución.

Julian Di Pietro

Distancias I es el primer estudio sobre la grabación de espacios, su acústica y la microfonización como acceso a resonancias estructurales para ser utilizadas como parámetros compositivos. Esta obra no tiene ningún tipo de reverberación digital y fue grabada con 4 micrófonos dispuestos en diferentes zonas de un espacio acústico determinado.

Es un artista que se desarrolla entre la electroacústica y el arte sonoro. Explorando los cruces entre la música acusmatica y el paisaje sonoro, donde se fusionan y mezclan parámetros de ambas disciplinas.
Se ha desarrollado como compositor de música para peliculas, videojuegos, publicidad, como también como productor musical de diversas bandas de diversos estilos.

Plugim

A través de performances en directo Plugim explora la «memoria sonora» -la percepción de un recuerdo que se logra por la repetición de frecuentar un mismo lugar en sucesivas ocasiones. En este proceso los sonidos van adquiriendo significados al mezclarse con las imágenes experimentadas. No se trata de una reproducción, sino de una reelaboración a partir de esta memoria. Como un cuadro impresionista, estos sonidos se construyen desde cero, acudiendo a una evocación, y se vuelven a plasmar sobre el silencio. «Sand Wind», la obra presentada, es una pieza dentro de esta exploración. Se trata de un recuerdo latente de las salvajes tormentas experimentadas en la infancia, en la playa de la Península de Valdés. Para esta obra se han utilizado sintetizadores, guitarra, máquina de ritmos y samplers ejecutados y grabados siempre en directo, casi sin postproducción.

Plugim (1982) es un músico y productor argentino establecido en Barcelona. Su trabajo se mueve entre el ruido electrónico, el diseño de sonido experimental y los paisajes sonoros en movimiento. Utiliza sintetizadores, guitarra, máquina de ritmos y samplers ejecutados y grabados siempre en directo, casi sin postproducción.

Diep Sarrua Yuraszeck

«Añañuca», Inspirada en los sitios arqueológico y paleontológico,” Laguna de tagua tagua”, Cerro Pucara “La Muralla” y cementerio indígena de “Cuchipuy”. San Vicente de tagua-tagua VI, región – Chile.Dedicada al grupo de acción ecológica actual fundación Añañuca de tagua tagua.
INSTRUMENTACIÓN

1.1 Sikus sanqa arca procesada en tiempo real y registro.
2. Registro de campo focalizado de máquina.
3. 21Tarkas , 12 en mi y 11 en la.
4.4 Flautas chinas.
5.1 Chin chin.
6.1 Piano preparado.
7. Registro contextual de paisajes sonoros de la VI región.
8. Registro focal de autos en movimiento.

Edición y pos/producción realizado en los Estudios de Grabación Renkü, 2016.

Compositor, investigador, curador, intérprete y educador musical. Diseño y desarrollo de proyectos artísticos- socio culturales ligados a los paradigmas latinoamericanos. Director del “CICMCI” Centro de Investigación y Creación Musical Carlos Isamitt (2010-2020), “LEE” Laboratorio de Artes Electrónicas y Electroacústica (2014-2020) , “LAM” Laboratorio de Artes Multimediales (2015-2020) y Espacio Interdisciplinario “Taller Renkü”(2012-2018), Curador de los (6)Encuentros Internacionales de Música Contemporánea,Rengo,(2013-2018) y (5)Encuentros Internacionales multidisciplinarios y nuevos medios (2012-2018), Sala de Exposición de Instrumentos Musicales u Objetos Sonoros Sur-Andino –Chile . Ha recibido apoyos del Ministerio de las Culturas , Las Artes y El Patrimonio, Fondo Nacional de Cultura y las Artes (FONDART),Consejo Nacional de La Cultura Y Las Artes (CNCA), Consejo Regional de la Cultura y las Artes (CRCA) ,I. Municipalidad de Rengo y Quinta de Tilcoco, Corporación Cultural de Rengo, Fundación Cultural de Rengo, XII Festival Internacional de Cine de Rengo, del Instituto de la Juventud (Injuv) , Ministerio de Cultura del Amazonas (Perú), de la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos de Bolivia “OEIN” y Universidad de O’Higgins. Desde 2005 se ha presentado en distintos países, como Argentina, Bolivia, Colombia, y Perú. He dado ponencias en diversos encuentros. He impartido seminarios en diferentes universidades y orquestas en CL. Y BO.

Sandra Rocio Fuya Dueñas

La obra, que en un inicio iba a ser compuesta para piano con electrónica en vivo, tuvo que ser modificada debido a las medidas tomadas por la llegada del COVID-19. Es así que además de piano, la pieza cuenta con sonidos derivados del ruido blanco producido y modificado por el software Max/MSP, así como modificación de voces femeninas (Adriana Orozco/Soprano) y masculinas (Camilo Rodríguez/Barítono). La pieza está marcada con la incertidumbre y el miedo derivado de la pandemia que, de una u otra forma, ha producido un hondo y particular sentimiento de cambio en cada uno de nosotros. El texto en alemán que suena en la pieza es de August Wilhelm von Schlegel y traduce:

Miren, ojos, ¡miren hacia el valle!
Allí todavía yace vida abundante.
Refrésquense allí en el claro de luna,
Y en la paz sagrada.
Escucha, corazón sin perturbar,
Escucha los suaves sonidos
Que desde lejos te presionan
En busca de dicha y dolor.

Egresada con honores del programa de Música con Énfasis en Composición de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente está cursando el primer año de Maestría en Composición en La Universidad de Western Ontario con el maestro Paul Frehner. Además, se desempeña como compositora, arreglista, editora de partituras y songwritter.
Realiza estudios musicales en la Escuela Superior de Música de Tunja, la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia y la Universidad Nacional de Colombia. Recibe clases de composición con los maestros Gustavo Parra, Harold Vásquez Castañeda y Moisés Bertrán Ventejo; y en composición electroacústica con los maestros Roberto García y Mauricio Bejarano.
Ha tenido la oportunidad de estrenar su obra en el auditorio del Instituto Cultural León Tolstoi, el teatro de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, el auditorio de la Biblioteca Pública El Tunal, en los auditorios Virginia Gutiérrez, Olav Roots y León de Greiff de la Universidad Nacional de Colombia, y en el auditorio von Kuster de La Universidad de Western Ontario.

Inés Terra. Julia Teles

Espelho es una música inmersiva, en la que se cruzan sonidos del teremin y de las voces, hasta fundirse y desarrollarse de tal maneira que ninguno de los dos instrumentos sean facilmente identificables.
https://musexplat.com/2020/07/24/resena-de-teia-teia/

TEIA está formada por Inés Terra (voces) y Julia Teles (teremin y voces). El dúo existe desde 2017 y trabaja en la relación entre un dispositivo electrónico y las voces, en procesos improvisados ​​y compositivos, transitando entre sonidos armónicos y ruidosos, explorando los límites de las posibilidades de los dos instrumentos. En 2019 TEIA grabó su primer álbum que fue lanzado en junio de 2020 en el sello digital RKZ records. https://rkzrecords.bandcamp.com/album/teia

Diego Alessandro Faucheux Pérez – Roca

Región perpleja’ forma parte del material debut de mi proyecto solita (Árbol), lanzado con el sello peruano 1049 Records, titulado ‘Estados de Exepción’. Este track es una parte de la representación sónica de un poema de Mario Benedetti, Estado de Excepción. La pieza está creada a base de procesos de síntesis (aditiva y sustractiva), paneos sujetos a variaciones producidas por un controlador MIDI, cambios subitos en parámetros de filtración, reverberación y delay.

Compositor de sonoridades electrónicas/instrumentales, gestor cultural de escenas de creación sonora en Lima, Perú y docente de música con más de 5 años de experiencia. Guitarrista desde los 13 años, estudiante de música en la UPC desde marzo del 2014. Estrenó obras escritas con la asociación cultural Musuq durante los años 2017 y 2018, estrenó una pieza para Saxofón Tenor y Violín en el VIII Encuentro de Compositores e Instrumentistas organizado por la Universidad de la Plata – Argentina en septiembre de 2019. En junio de 2019 dictó el taller sobre principios básicos de audio digital y síntesis esencial para Max/MSP y en julio de 2020 dictó el taller sobre apreciación y reflexión de expresiones sonoras, ambos bajo el colectivo Deshumanización. Fundador de Deshumanización (colectivo de artistas sonoros en Lima, Perú), fundador de 1049 Records (Sello discográfico de expresiones sonoras no ortodoxas), fundador de Árbol (proyecto solista de creación sonora electrónica e instrumental), miembro del trío multidisciplinario Paundra.

Sandra Díaz

Maestra en Artes Plásticas de la universidad de Caldas, Manizales- Colombia (2016), con Especialización en Lenguajes Artísticos Combinados de la Universidad Nacional de las artes, Buenos Aires- Argentina (2020).
Artista con experiencia multimedia, involucra dentro de sus procesos plásticos y de investigación el concepto de Bioarte, relación disciplinaria que se da entre arte – biología – ¬ tecnología.
Ha publicado sus textos de investigación sobre arte en medios online como el periódico internacional Noticias5 y a nivel nacional en la revista independiente Primer Plano.
Algunos de los títulos:
-BIOARTE COMO PRÁCTICA ARTISTICA.
-BIOTECNOLOGÍA: ‘Hackear’ bacterias para fabricar cualquier cosa.
-EL SONIDO DE LA CONTAMINACIÓN. Una crónica sobre el río Bogotá.
-SUEÑO AZUL, una crónica sobre el Yagé.
-Plantas y ADN.
-Nuevas Materialidades. Usos contemporáneos de hongos y bacterias.
-Internet de las cosas, memoria de los objetos.
-Gabinete de curiosidades. El inicio de los museos temáticos.

Su obra Plástica se ha expuesto dentro y fuera de Colombia, su país de origen.

Dialogo y socialización  de las  propuestas realizadas  en los espacios de creacion de Transversal Sonora, que  vinculan prácticas sonoras y visuales con elementos actuales de creación.